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虽然起了这么个挺唬人的标题,但其实是一篇我近期学习视觉创作理论的阶段性归纳。在这里不会详细地讨论赛博朋克的哲学内涵,在文中需要的地方会略提到,文末会提一下我对赛博朋克和现实生活的关联的一点理解。我知道我的观点不很成熟以及相当个人化,但我还是想发哈哈哈,好处是初学者视角的文本应该是相当通俗易懂。
近来有一些读者说看不懂我的文章,虽然我一点也不伤心,但还是想该如何解决这个问题,所以先讲一下这篇的主题和思路:
△Blade Runner
What is Cyberpunk?
科幻片的一种类型,是基于目前信息技术发展水平,以及对未来的展望与预测,构建的一种极端化社会。
△百度百科“Cyberpunk”词条
△Defination of Cyberpunk from Wikipedia
What do I want to achieve in this article?
不同于文字阅读,图形、画面、影像给观众的是一种扑面而来的整体感,所以我们通常也用笼统的词汇来形容,比如美、比如震撼,反面的有,俗气、变扭等等。而我们对于这整体的和谐与不和谐,一瞬间得出的评价,究竟来自于哪个维度?恐怕这感觉来得太快,逻辑的走向反而难以整理。
而当我们说一种风格,举日常生活的例子,比如说一个女孩偏爱波西米亚风的打扮,而另一位同事着装很OL;风格是个体内在价值观的外化展露,那么风格究竟如何实现?如果把风格层层解构又能得到什么?最近读了一些我超喜欢的康定斯基的观点和其他一些视效理论,也因为非常喜欢银翼杀手2049(超过前作),所以就把两者结合有了这篇。
我所做的是解释单一基础视觉元素(色彩、线条、光)的运用,是如何引起观众主观的心理和情绪反应,进而实现世界观的构建。
List of Movies Metioned:
Blade Runner (1982)
Amelie (2001)
Oblivion (2013)
Mad Max: Fury Road (2015)
Ghost in the Shell (2017)
Blade Runner 2049 (2017)
色彩
配色往往决定了画面叙述的直接基调,同音乐和文字的基调传达效果相比,画面的冲击力来得直观、迅速、强烈多了,单位时间内传输信息量最大。
色域选择以高饱和的霓虹色、冷色为主,下面色环图上的三角区域为赛博朋克风格的常用色,而非三角区则被排除在外;被采用的这些色彩非天然(不是从自然环境中直接取得),而是人工化学调和而成的,故往往使人产生迷幻、虚无、捉摸不定之感。
△色环和被遮蔽的色环(非三角区为不采用的颜色)
所以为什么是冷光呢?除了蓝色、紫色等本身传递的冷峻、冰冷、阴郁、剥夺、距离的感觉外,冷光在迷雾环境中的穿透力较强、不易消失等也是其他原因。
On the opposite-对立举例:
对比「天使爱美丽」的配色方案,
这部略略古怪而温暖的电影,配色组成是大地色,以及比较低沉的绿色,这些种类丰富的绿色、赭色,都可以直接在自然事物中观察到,给人安心、踏实、温暖的感觉。
线条
从建筑风格和随之产生的对空间的划分上,是以直线、棱角居多
直线与直角代表稳定、静止与平衡,是沉默的线条,共鸣声微乎其微,是所谓「无」;无边际的城市由无数直线条和直角的建筑堆砌而成,这些几何图像在数量上是「多」,但心理感觉是「空」和「不饱满」。
赛博朋克符合早期电子产品设计的审美流行,延伸开来其实可以看到那个时期汽车外观结构的设计也偏好直线、直角。
What's on the opposite-对立举例:
△K找到Deckard的住处
Deckard住处的风格是典型的欧式装修,从场景设计来看,地毯、家具、摆件,都完全吻合这种风格。纷繁组合圆弧、拱形、曲线,对应的是自由、健康,都给了空间更大的包容感,都属于古典主义的设计元素;色调也统一为浅黄和红棕色,给人以熟悉、复古、温暖之感,这与本片的其他场景十分不同。
ⅱ.女性形象,强调弧度饱满的肉欲感
曲线是在直线的两端施加压力而形成,力与力的对抗进而使曲线具有动态平衡、随时在调节的紧张感(tension是个我无处不用的好词语)。
不知道是几位导演的有意选择,还或者是一种巧合;「银翼杀手」「银翼杀手2049」「攻壳机动队」中对于女主角外在形象的选择,注意这几位女主角都不是真人(human),都有非常饱满的面部和唇部轮廓;而这种轮廓激发的是原始冲动的、天然的、充满鲜活感的吸引力和生命力。
△ Joi in Blade Runner 2049 (2017)/
Rachael in Blade Runner (1982)/
草薙素子 in Ghost in the Shell (2017)
光影效果
无自然光、无试图模拟自然光、无现实常用光的环境,就否定了制造千变万化的光影视觉效果的一切前提。而由千万个细节组成的光影效果,是我们判断某一事物是否「真」的惯用标准。举两个简单的例子,公认设定下的鬼是没有影子的,因为鬼不存在在人间,故不赋予之客观现实的光影效果;又为什么说作画临摹的石膏像假而蜡像逼真?因为石膏无透明度,像真人的手指等在逆光条件下存在次表面散射的现象,也就是轮廓边缘能透过一定程度的光,而石膏像无法实现这一效果。
除了去除自然光效,霓虹色通常伴随着背光效果而出现,背光也是一种机器制造的人造光;在光线过渡上,背光的范围非常短,结束地非常突然和不柔和,也就造成了生疏感(对比自然的漫射光)。
△Blade Runner/Blade Runner 2049
What's on the opposite-对立举例:
为什么有「绿意盎然,生机勃勃」的形容?把「绿色、树林」与「生命力」的不假思索的关联,除了生命本身的力量外,在视觉上,正因为森林由千万片绿叶构成,每片叶子都对同一瞬间的光有不同的处理和转换,让人觉得每片叶子是在对光进行个体解读。同期的叶子固有色大致相同,但因为光照的角度,有的处于阴影下,有的因为表面蜡层较厚而实现高比例的反射,有的因为树叶本身水分较多透明度较高的条件,又能实现透射光的效果。因此观察到物体对自然光的丰富处理,能让观众活得高度「可能性」和「活力」的心理感受。
△Deckard和Rachael的女儿,someone naturally born, 在一个鲜活的的环境里工作
(看这张截图,与整部电影视觉画面风格区别很大)
非常讽刺,在我们今天随处可见的,任何和自然相关的东西,在赛博朋克的世界里成了一种特权阶级的exclusive。
影片中Wallace大楼中的水池(多次出现),以及光透过水池折射呈现的焦散现象也在画面中被大规模强调。处在权利巅峰的人,通过复刻实现并享用自然带来的预约,对于普通人来说则成为一种奢侈。
同理,「银翼杀手」的原著小说「仿生人会梦见电子羊吗?」Deckard中对拥有一头「真实的羊」的渴望可谓魂牵梦绕。
△The Set of Blade Runner 2049
(照片中是本片导演Danis Villeneuve)
「银翼杀手2049」对前作赛博朋克风格的延续,但也有很多未保持统一的「非赛博朋克风」画面,影片中展现废土世界的画面就不在少数。
仅有橙色或灰白色构成画面,前者代表「恢复原始」,后者是「毁灭一切」,都呈现的是「归零」和「无生命」的特征。
△Blade Runner 2049
图一的近处是废土世界的构造,可猜想远处是故事的主要发生地——赛博风格朋克的未来的LA,那么是否可以理解为近处是远处的城市发展,完全被毁灭(推测是因为某次科技故障)的未来形态?
△废土世界主题的Mad Max: Fury Road
What's on the Opposite-对立举例:
我们对科技的发展和未来有恐惧,有抵触,然而人的情感总是矛盾,另一方面我们似乎又是不由自主地向往科技发展和进步,迫不及待地享用各种最新成果。因此,与复杂笨重的赛博朋克城市相对,也有更开阔的、极简的未来世界构造。从色彩上解读,白,寓意着生(图为康定斯基的色彩滑落示意,从左上到右下为不同颜色对应的高昂情绪的衰退和沉默的递增);而白色也给了自然光或近似自然光,从四面八方环面而来的底色基础。从而营造出无机质、透彻梦幻的未来感。
△遗落战境的画面构造
最后讲一下社会应用。
虽然赛博朋克是一种极端社会形态(which we wish not to be like),却离我们,或者说是现在一点也不遥远。当雾霾天数越来越多,是否我们真的也会逐渐丧失对于自然光的感知和鉴赏能力?
△Blade Runner
赛博朋克的美学观深受东京的城市景观、香港的九龙城寨影响(发端的雏形),两座城市的快速发展时期也正是赛博朋克风格的起源与发展期;数不清的霓虹灯牌,灯红酒绿下却是密集空间中苟延残喘的人口们。
那么把这种对于未来世界的构想风格,和目前现实生活对标,重庆是不是一座很有赛博朋克风格的城市?从表象上来说,是的(于是很多人认为重庆是赛博朋克风格城市的代表)。但从城市的运行规则来看,恐怕不能这样说,我没去过重庆,但社会分化和群体对立性应该还远不到赛博朋克世界的程度吧。
的确更该从内涵考虑,这么说北京,尤其是最近出的星号人群的事件,可以说是相当赛博朋克电影开端了。
我的观点是艺术作品是,我们害怕某种现存的慢慢发端的倾向,而把倾向的最扩大化和最坏结果描绘成一个极端未来世界;自然会对此产生恐惧,但事实越来越被证明是,这种世界其实并不遥远,oh that's ** terrible.
以下是references们
(想要深入了解上文提到话题的朋友们,可以留言向我索取access):
康定斯基.艺术中的精神
康定斯基.论点线面
詹姆斯·格尔尼.色彩与光线
来须苍真.攻壳:解析赛博朋克概念艺术.知乎Live
Lewis Bond.Colour in Storytelling(一个视频 可以在B站搜到)
*本文转载请联系作者,谢谢合作。
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再没有什么场景比一个未建成的乌托邦建筑更适合一个反乌托邦类型电影了。
在Noah Kadner 对该片制作设计师 Dennis Gassner的采访中,后者提到除了一小部分场景是在布达佩斯取景以外,其余大部分场景均为人工搭建或电脑渲染制作。本文考据了一些银翼杀手2049的场景设计,以下是一些穿凿附会的出处考证:
像任何科幻电影一样,反派公司必须有一个酷出人类极限水平的未来感大楼。强烈的秩序感,厚重的材质,与不断在其空间中流动的水纹光。在2049中,大反派Wallace的复制人公司大楼的设计无比贴合这样的电影类型。
第一个印象是,这部片子的场景设计应该受到安藤极大的影响,有好几个画面出处都非常具有安藤的气质。
这样的想法并不是空穴来风。在上文提及的采访中,Gassner也提及了他的一次日本之旅。虽然他称Wallace的办公室是受日本传统城堡的启发,但我们确实能看到更多现代建筑对于该片场景的影响。
一个形式类似的Chichu博物馆,日本建筑师安藤忠雄作品
benesse house park hotel,安藤忠雄
李禹焕美术馆售票处,安藤忠雄
豆友@ 小凌小凌 在评论中提到:“ 那个Wallace的接待台长得跟直岛上李禹焕美术馆的售票处一毛一样!(当时买票的时候就体会到了那种让人不大舒服的蜜汁尴尬,不过还好我只有160,但也需要稍微弯点腰,感觉像是在求着里面的人卖票给我……) ”
在网上搜索了一下这个安藤设计的李禹焕美术馆,和Chichu博物馆结合一下就是2049的问讯处了。这俩博物馆都在日本直岛上。
日本堡垒那种关于“安全”理念给Gassner留下了很深的印象。为了体现大反派Wallance喜欢掌控一切的性格,场景设计中以水来象征一种对于安全感的界定。
*日本综艺节目《矛盾大对决》中还有一期名为“能做出超乎人类动作的男人 vs 只要人走上去就一定会出声的走廊”,讲的就是这样一个走廊上的对决。(看得我既尴尬又开心)
豆友@ psycho 表示:“夜莺走廊的灵感据说是来自于清水寺。”
(这边暂时没有找到合适的室内照片)
豆友@ 神威 提出:“ 我看到电影中的条形窗走廊第一反应是二条城德川家的夜莺走廊(莺啼廊,鶯張りの廊下)在将军办公的处所里 因为木板会热胀冷缩加上时间的流逝产生质变 走上去就会发出嘤嘤嘤类似于夜莺的叫声 然后也有这样的条形窗 窗外种了当时日本罕见的铁树 走廊的宽窄也和这张剧照里的走廊特别相似 ”
不过,Gassner提及的这两个点我在电影场景中没怎么看出来。在Wallace那种“像神一样把控一切”的人设上,倒是能找到一些影子。
以水围绕平台的做法在现代建筑中还是比较多的。这样的空间品质往往极简、宁静,是一种行之有效,但维护成本较高的设计手段。
场照水的质感更加明显
导演一开始对于环境设计的初始风格设定即为“粗野主义”。
粗野主义,一个多适合反乌托邦电影的风格定位!
还有一个经过官方确认的空间,由西班牙建筑事务所 Estudio Barozzi Veiga 2010年未建成的西班牙皮洛尼亚的尼安德特博物馆设计方案。从上次威尼斯双年展我就挺喜欢这个事务所的。
“行走中的建筑学”编辑表示:“ 电影中2049年的洛杉矶警察局总部,让人想起阿根廷布宜诺斯艾利斯的国家图书馆,一个经典的粗野主义建筑作品。 ”
图为“阿根廷国家图书馆 。
除了电脑渲染及布景搭建外,本片还是有一部分实景拍摄的画面的。电影中崩坏的拉斯维加斯是在布达佩斯拍摄的。主要场景发生在前布达佩斯证券交易所。
关于色调还有一丢丢考据。剧情推进到废弃的拉斯维加斯处,开始出现这种黄黄的色调:
据该片的摄影指导Roger Deakins称,是受2009年红风暴袭击悉尼的系列照片影响。
豆友@ 。 认为:“ 橘色部分反而比较像当年泰特美术馆那个太阳啊 可以搜看看图片! ”
豆友@ 三月 提出:“ 为什么沙城暴的场景我想到的是美国一年一度的 ‘火人节’。。。 ”
豆友 @〇〇〇〇 热情地指出,这种废土概念在Mad Max 4里屡见不鲜。
还有几个在红风暴中的巨型雕塑,打眼一看,特别眼熟。
残破的头部与废墟感,与Igor Mitoraj在意大利庞贝遗址的系列雕塑非常相似
去年在庞贝拍的照片
雕塑+遗址气质拔群
豆友@ 默 提到:“倒在地上的头部塑像极像西西里岛阿格里真托古希腊遗址里的塑像 ”
豆友 @大猫 认为“残破的头部”,和Brancusi 1909年的 “睡着的缪斯”有相似之处;
“ 关于巨型的石刻,特别是头部,Colossus of Constantine,现藏在罗马Capitolini/朱庇特大庙博物馆,//en.wikipedia.org/wiki/Colossus_of_Constantine 君士坦丁大帝的雕塑,原本在罗马的马克森提乌斯的巴西利卡。当然,佛教里面的巨佛也是不少,巴米扬,乐山,敦煌,云冈,山西太原蒙山大佛,蓟县独乐寺观音阁内的观音,等等。。。 ”——豆友大猫
另外片头的太阳能微型航拍图,很可能是西班牙的塞维利亚太阳能站。
另外,豆友@ 烤 提到:“ 关于加州郊区的太阳能田野,想到一个视频装置,2014年John Gerrard做的Solar Reserve (Tonopah, Nevada) ,贴一个视频为证://vimeo.com/112528680 ”
前几天翻照片,找到了几个工业遗迹,先放在这里:
第一,位于孟加拉国的 port Chittagong 的废弃船舶回收港口。
第二,世界最大的船舶废弃点——位于印度Gujarat的 Alang Ship Breaking Yard
Alang Ship Breaking Yard
注意Luv的眼镜特写
拍摄于Alang Ship Breaking Yard的照片。
另,还有一个片头男主出任务的太阳能田,应该取材于西班牙Almeria的卫星航拍图
豆友@ noiseinside 指出:“ 金字塔造型的大楼造型我认为已经是向经典科幻片《大都会》场景致敬,包括原版《银翼杀手》里的也是。”
电影《大都会》的相似场景
豆友@慕明 比较好奇最后上岸的大坝到底是哪里。对此我也毫无头绪。
大都会的剧照中也有一堵巨墙
豆友@ 文刀仙僧 指出:“ 第一部里面男主的公寓我一直觉得很像赖特后来做的砌块住宅。 ”
这个取景地的确是经过官方确认的。Ennis House 是美国著名建筑师 Frank Lloyd Wright 的作品。感谢豆友@ godard 指正,经查验,第一部中只有室外场景是在Ennis House实景拍摄的,剩余室内部分都是“ 按照那个房子的墙面砌块专门制作的布景。而且斯科特后来拍《黑雨》时又用了一次,作为日本黑帮老大住处的墙面。赖特这个房子被很多电影拍过(也许因为它就在洛杉矶),被称为‘明星房’。”
有很多针对该种砌块的泡沫模型。
2009年这栋房子被卖了,这是个悲伤的故事。 基金会一开始开价1500万美元,结果发现没人买,最后在2011年以450万美元的价格将其中一部分卖给了投资人 Ronald Wayne Burkle
暂时先找到这么多,想起来的时候继续添加。
豆友里真是藏龙卧虎,感谢你们的分享。我会定期整理将评论中的内容添加到正文,争做最全场景讨论帖。
更新日志:
[2017.10.29 更新。陆续添加了豆友@ 慕明 @ 三月 @ 。@〇〇〇〇@ noiseinside @ 烤 在评论中陈述的观点。添加了关于柳京饭店的推测及大坝出处的疑问]
[2017.10.30 更新。陆续添加了豆友@ 大猫 @ 老金子 @ 文刀仙僧 在评论中陈述的观点。添加了一把椅子的设计师考证,2017SDCC场景照片,Ennis House ]
[2017.10.31更新。陆续添加了豆友@ 小凌小凌 @ 老金子 @ 神威 @godard在评论中陈述的观点。添加了SANNA金沢21世紀美術館,Jame Turrel的作品,银山温泉,长城脚下的公社,路易斯康的胡瓦犹太教堂猜测,巴拉甘的吉拉迪之家-室外庭院,保加利亚布兹卢贾山剧场顶视图,山梨县惠仁寺的莺啼走廊,棚内拍摄及水纹场照,增加了众所周知的北京气候影响;改了病句]
[2017.11.09 更新。添加了豆友@大猫 @ psycho @ 默 及“行走中的建筑学”编辑观点。添加了 benesse house park hotel,孟加拉国的 port Chittagong 的废弃船舶回收港口,印度Gujarat的 Alang Ship Breaking Yard,西班牙Almeria的卫星航拍图]
[2018.03.05] 恭喜2049赢得2018年奥斯卡最佳视效!感谢各位豆友的贡献,我的更新也告一段落[鞠躬]。
(前两天在大银幕上看了《沙丘》,维导的风格依旧,只是感觉依旧更喜欢《银翼杀手2049》一点,沙丘里面美则美矣,角色似乎都少了一些人性,而在银翼杀手里,哪怕是仿真人的他们依旧为自己存在的真实感而心悦或哀伤。这种未来背景的思索,比特效构塑的奇观更能打动我。)
1982年,一部充满着阴暗与潮湿气息的科幻电影问世,虽然在之后的几十年中得到了广泛的认可,然而他在当时前卫的风格与冗长的剧情让它在票房上铩羽而归。
时隔35年,由丹尼斯·维纶纽瓦导演的续集讲述了前作三十年后的有关于复制人的故事。
我不得不说,电影超过两个半小时的时间非但没有让人感觉到漫长无趣,反而在每时每刻都让你惊叹,让你屏住呼吸,让你觉得,这才是科幻片本应有的模样。它所涉及的剧情,既有让你沉浸其中的科幻,也饱含着科技面纱之下的浪漫,还有与前作如出一辙的对自身的拷问。
我们是否是真实的?
或者说,我们应该相信我们所看到,所听到,所接触到的一切么?甚至,我们的所思所想是否会误入歧途,而在这样纷繁的世界中,我们又有何可以依靠?
就像那落在我们手中最后缓缓融化的雪花一般,那份冰冷与温柔的触感,是你我真实存活于这个世界最好的证明。
1.银翼杀手编年史
这部银翼杀手2049在很大程度上同前作保持了一致,无论是风格,基调,人物的选择,思想内涵,时间线,都与前作息息相关,而在电影上映之前,官方也给出了三部短片用于补全从2019-2049年30年间的一些事件。
它们分别是,2022:大断电,2036:复制人黎明,2048:无处可逃。这几部短片都可以在youtube上观看,b站也有相应的翻译版本。
当然,官方其实也给出了一份更加详细的编年史,我觉得在看电影之前如果能对银翼杀手整体的世界观有所了解会有助于剧情的理解。
21世纪初:泰瑞公司发明出复制人,他们在身体上进行了强化,用于地外探索,但是在复制人发动血腥叛变之后,复制人在地球上被禁止。
2019年:几名连锁6型复制人从外星返回,他们最终杀死了泰瑞公司主席埃尔顿 泰瑞,同年,银翼杀手德卡与泰瑞公司的复制人瑞秋从洛杉矶逃走。
2020年:泰瑞公司推出新型复制人连锁8号,拥有正常人类寿命,不过他们的右眼有可以识别出身份的标志。
2022年:一枚核弹在美国西海岸上空爆炸,造成城市断电数周,同时泰瑞公司发生爆炸,大部分关于连锁8号复制人的信息被销毁,与此同时,大断电导致经济,食品供应都受到巨大影响,很多人陷入黑暗与饥饿之中。
2023年:因为怀疑大断电起因为复制人,政府推出复制人禁令,部分复制人在逃脱追捕后得以存活。
2025年:华莱士通过基因工程解决了食品短缺问题,他的公司因此得以做大。
2028年:华莱士收购泰瑞公司残余部分。
21世纪30年代:华莱士改良泰瑞公司技术,使得复制人可控且忠心。
2036年:复制人禁令被废除,华莱士公司推出连锁9号复制人。
21世纪40年代早期:洛杉矶警察局重新动用连锁9型复制人的银翼杀手,找到老型号的复制人并处决他们。
2048年:一位连锁8型复制人在闹市被人认出,追捕复制人的征途又开始了。
在官方出的三部短片之中,有两部都提到了一个人,sapper morton,他是连锁8型的复制人,在大断电后得以存活,然而48年在闹市中为了救助关心的朋友而被人识破。在正片中,第一个事件也就是瑞恩 高司令扮演的银翼杀手“k”对sapper morton的追捕。
--------以下内容存在剧透----------
--------以下内容存在剧透----------
--------以下内容存在剧透----------
2.gone baby gone
一切起源于“k”在sapper morton家所发现的那个箱子。
箱子里面,是一个女人的骸骨,和一缕头发。而这个女人,是因为难产而死的女人,不过更让人惊讶的是,这个女人,竟然是比连锁8型还要老的复制人。
警察局意识到了这是一个很棘手的案子,如果复制人生下了孩子,那孩子又属于什么呢?k觉得孩子会有灵魂,也许就不应该当作复制人看待,但是无论如何,都要找到这个失踪的宝贝。
sapper morton的家里,k发现了孩子的袜子,那么更加证明出这个孩子是真实存在的,他带着头发去华莱士公司找寻证据,原来这个女人是瑞秋,而残存的片段中她与前任银翼杀手德卡有过交谈。
k想顺着德卡的线索去找,他找到了德卡的老朋友gaff,然而gaff也并不知道德卡的下落,线索断了的k只好去比对基因片段,没想到竟然真的找出了基因相同的人。
那个孩子,也许曾在孤儿院待过。
k去了孤儿院,逼着那个黑心“院长”翻出记录,然而记录关键内容的记录却被撕掉了,k在无奈闲逛之中,隐约觉得这是他回忆中的地方,然而他当然知道复制人所有的记忆都是植入的,虚假的,但是顺着记忆的指引,他竟然找到了记忆中他藏起的心爱的小木马,那个木马上的日期,和sapper morton家门口刻下的日期也是吻合的,难不成k和那个孩子有什么联系么?
为了解答这个疑惑,k找到了一个帮助华莱士公司构建记忆的女博士安娜,她说植入的记忆是不能根据事实去构建的,然而当k把他的记忆给她看时,她却证实,这记忆是真实的,不是虚构的。
那么也就是,k其实就是那个失踪的孩子,他在孤儿院长大后被当作复制人训练成为了银翼杀手,他的母亲是因为难产而死的瑞秋,他的父亲,应该就是和瑞秋一起逃亡的德卡。
为了寻找德卡,k让人判断出了他手上小木马的来源,他追踪过去,终于见到了年迈的德卡,他没有敢告诉德卡他觉得自己就是他儿子,德卡只是说,他不想见到他孩子,因为这样就会给那个人带来危险,他只希望两人永远都是陌生人。
然而k还没能与德卡有更深入的了解,知悉孩子存在并且跟踪而来的华莱士公司强行进入带走了德卡,他们认为德卡能带他们找到那个孩子,因为那个复制人生出的孩子无疑是一把钥匙,是能引领着无法生育的复制人进化的关键。
被袭击而奄奄一息的k被一伙人救出,原来他们是隐藏的连锁8号的复制人团体,他们打算揭竿而起,但是,他们告诉了k一个真相,其实那个孩子,应该是一个女孩,k的记忆只是源自那个女孩而已,他不过是这个巨大计划中的一环罢了。
k最后救出了被押送的德卡,并且送德卡去见了自己真正的孩子,也就是那个构建记忆的女人安娜。
作为一个长达两个半小时的电影,剧情的充实程度简直超乎你我的想象,剧情中最为中心的一条线索,无疑就是围绕着那个失踪的复制人孩子展开的。
而电影独具匠心之处,就在于他让我们跟随着k的视角,以探案一般的节奏抽丝剥茧地一点点去找寻事件的真相,同时他利用我们脑中对于“银翼杀手都是复制人”的固有观念,在影片的前半程逐渐让我们发现k原来就是那个孩子,他的记忆不是植入的而是真实存在的。
更巧的是,这种观众跟随k得到的答案却在后面被完全推翻,电影通过叙事性诡计,其实一直在前文没有让我们没有想到那个孩子会是女的,而这身份的两重转变,无论是对于k还是对于观众我们,都是一个巨大的冲击。
3.虚拟女友,模糊虚拟与现实的边界
要说影片中最为科幻与浪漫的线索,无疑就是k与他的全息投影女友joi之间的剧情了。
k身为银翼杀手,然而却并不受欢迎,毕竟他只是一个复制人,在真实的人类看来,只不过是一个披着人皮的机器而已,甚至连妓女也对他避而远之。
k唯一的寄托,就是他从华莱士公司买到的虚拟女友joi了。
joi是一个很贴心的女友,她开始的时候只能从家里的投影装置中透射出来,不过她却关心k生活的点滴,不管是他的工作还是他的饮食,虽然吃的东西很简陋,不过joi会做出很好看的虚拟食物,让k开心,更重要的是,joi从来没有嫌弃过k作为复制人的身份。
k给joi升了级,他买了一个投影棒,这样的话,joi不仅可以在家里出现了,只要k带着投影棒的时候,joi可以被投影在任何的地方。
joi第一次的出门,是在他们的楼顶,遥远的五光十色的霓虹,近了只是一个落雨而简陋的平台,然而joi第一次感受到了雨滴,从她虚拟的手中穿过,或者停留在她的手中,她和k相拥,虽然她知道自己只是一个虚拟的形态,她依旧想亲吻k。
手机突然响了,joi的身姿定格,k才意识到原来joi终究只是个人工智能的设备,不过寂寞的人,大概什么都可以去倚靠,哪怕是虚拟如同烟云的光影。
joi陪伴在k身边,在他调查的时候给予鼓励与帮助,她提醒k那个树木上数字与他记忆中的联系,她不停告诉k,你是特别的,你是天选之子。
就在k认定自己就是那个复制人生下的孩子之后,joi告诉他,他是born的而不是被制造,被生产出来的复制人,joi与一个妓女合体,用着她的外观,还有妓女的身体,同k达到了灵与肉的结合,这大概终于能弥补她没有真实形体上的缺憾了吧。
k要去寻找德卡,也要永远离开他的家了,joi要和他一起去,不过为了避免被追踪,joi要k毁掉家里投影设备里的数据,不过这样的话,joi的数据就只缓存在投影棒之中了,一旦投影棒被毁,joi也就烟消云散。
而这种宿命,应该是宿命吧,大抵无法避过,在赌城被袭击后,投影棒掉了出来,华莱士手下的复制女luv踩碎了投影棒,joi留下的唯有最后一句“I love you.”
落寞之中,k被路边的投影小姐姐叫住了,她长得和joi一样,她同样也是个给人心理慰藉的产品,其实从一开始就是这样,无数的joi成为了无数宅男的精神食粮。看到这些,k陷入了深深地沉思。
虚拟女友的设定,甫一看是有趣的,复制人和被投影出的女友聊天,也算相得益彰,但是紧随而来的就是深深的寂寞,因为毕竟那只是一个人工智能而不是真实的人类,那只是一个投影出来的影像而不是真正可以拥抱的实体。然而更深思的话,我们会意识到,这样的组合其实也必然会无疾而终,并往往以悲剧收场。
即便这样,我们依然会为了这样的科幻浪漫而迷醉,你看,joi虽然是一个人工智能的产品,然而她却比别的人类更加有血有肉,她是多么爱着k啊。
至于那个与妓女融为一体灵肉结合的桥段,充满着前几年斯嘉丽的《她》中的既视感,不过这一段做得更加让人感到痛心,美丽到痛心,也遗憾到痛心,明知不可能的,却用这种替代的方法换取一时的假象。导演很体贴地并没有让妓女与joi完全同步,两个人时常替换模糊不清的脸庞,真实的与虚幻的手在k身上的上下游走,自然还有最后同时褪去衣服,然后凝视着你我的那个眼神,在一瞬间就打动了我。真的是非常,非常美丽。
然而在这种悲剧性的浪漫之后,有关于joi的最后一个桥段,广告中不断闪烁着“给你你所希望看到/听到的任何东西”这样的广告词,大概是导演故意抛给我们这样的一个问题:joi真的爱着k么?或者,她的爱究竟是发自内心,抑或只是程序所为,所谓的真情实感,是否是可以被模仿出来的呢?
这就是虚拟女友这一段留给观众的思考。
4.你所谓的真实,是否只意味着真实的记忆
1982年的银翼杀手抛出了这样的一个问题:我的记忆,是真实的么?那些被植入记忆的复制人,他们也以为他们有着自己的人生,实际上,那些只是别人的记忆或者虚假的记忆,他们只是一张被填充了几笔记忆的白纸。
那么,我觉得银翼杀手2049更加深入地追问了这样一个问题,记忆即便不属于我,难道我就不是真实存在的么?即便拥有真实的记忆,难道就能有比我更加真实的人生么?
影片中,下了两场雪。
第一场雪,在k问完安娜,确信自己是生出来的孩子而不是复制人以后,他用手接住了雪,我觉得,那个时候他第一次如此真切地体悟到他真实的存在,以前的他认为自己是复制人,所拥有的一切都是假的,而一旦自己是生出来的孩子,那么其实他也就有了真实的人生。
第二场雪,在他送德卡去见他女儿后,自己坐在门口的台阶上,再一次用手接住了雪,这个时候他已经知道自己依旧是复制人了,不过这个雪,其实并没有变化,变化的只是心境。
而与此同时,在机构里面,德卡的女儿所面对的,只是一场虚拟出来的飘雪,她的手掌甚至无法接住那些飘落的雪花。而k虽然只是个复制人,然而他接触的是真实的世界,虽然女儿是出生的,记忆也是真实的,然而因为与外界隔绝的缘故,所看的,所触碰的,其实都是投影出来的假象罢了。
那么,究竟谁更贴近真实呢?在k躺下的那一瞬间,真实与否,此时是否已经不那么重要?
其实,在影片开头,k杀死了sapper morton以后,打开了他煮菜的锅盖时,我也有了这样的一个想法。
无论sapper morton是不是复制人,他拥有的早年的记忆是真是假,已经无所谓了,他有着自己的生活,他辛勤耕作,他操持着家里的一切,他也要吃饭,也要睡觉,那么,谁又能说他不是作为一个真实的“人”而存在的呢?
同样,身为虚拟女友的joi,难道就不是真实的么?她比任何人都更富有情感,她也如此渴望着真实的身体,如此爱恋着k,这样的东西,恐怕我们没有权利去说它是虚假的吧。
这一版银翼杀手最可贵的一点,就是并没有摒弃前一作的主题,核心思想,而是更深刻地进行挖掘,并且通过各种支线去提出这样令人深思的问题。
5.你爸爸还是你爸爸
哈里森·福特扮演的德卡,让我想起了星战7里面的老韩索罗,因为,都是爸爸。
而比星战里面要好得多的一点是,这里的福特老先生没有因为片酬太贵而被杀死。
这当然是在开玩笑,这一部中德卡的形象塑造,可以说又引出了片中的另一个小主题,也就是关于家庭,关于责任的承担。
当k问德卡想不想见他的孩子时,德卡回答:“不想。”因为他觉得他的孩子,无论在哪里,只要安全就好了,如果自己一厢情愿地去见孩子,只会给孩子带来危险,这样牺牲的觉悟其实也在很早就有了,毕竟,是他在孩子小的时候就把他送去孤儿院,并且再也不联系的,即便被华莱士公司捉住,他也根本不会知道孩子的下落。
而在面对华莱士公司复制出的瑞秋之时,他痛苦地凝视着那张完美的脸庞,最后还是说出了“她的眼睛应该是绿色的。”
德卡真的是那样真挚地爱着瑞秋和自己的孩子,甚至在三十年后都能清晰地记住瑞秋身上的每一个细节,然而他为了能让亲人不再受到公司的追踪,他只能将孩子送走,独自一人生活在废土之中,只与一条老狗为伴。
就像华莱士对他说的那样:“你所付出的,不过是你的一切罢了。”
这是一个关于牺牲于亲情的故事,虽然电影结尾算是父女相见,可是德卡究竟会否告诉安娜自己是她的父亲,讲女儿卷入之后的斗争漩涡中呢?
我猜大概不会。
依旧只是默默地注视,像陌生人一样。
6.哥们也依旧是你哥们,可是女朋友...
虽然在上映之前,我就知道新老两版的银翼杀手在剧情上有着密不可分的联系,然而很让我惊喜的是,真的没有想到会有如此多与前作有关东西。
第一个,当然要说老gaff了。
看过1982年的银翼杀手的人一定还记得那个神秘的gaff,也就是喜欢叠纸的人,正是他在最终剪辑版中放在德卡门口的那个独角兽剪纸,彻底坐实了德卡就是复制人的事实。
这一版中,老年的gaff作为类似于彩蛋的性质出场,回答k的问题,说自己也不知道德卡去了哪里,最后还标志性地摆出一个折纸,算是一种情怀了。
不过要说最激动的,必然还是瑞秋了。
首先出现的,就是瑞秋的骸骨...
虽然,我们真的看不出来是瑞秋...
不过,既然去寻找DNA比对的时候找到了有关瑞秋的音频...
好吧,我承认华莱士你手里的那个头骨就是瑞秋...
而且大家还真的很喜欢瑞秋,都成骨头了还抢来抢去的...
我想见真的瑞秋啊!!!!
官方真的很想满足我们,于是先是当时德卡给瑞秋做测验的眼睛视频还有音频,之后还有瑞秋的美照,然后华莱士公司其实还存了几段别的瑞秋的音频,德卡还自己回忆一段瑞秋的片段,最后最后,华莱士复制了一个瑞秋出来!
那神态,那装束,那面容,仿佛真的是从几十年前电影中走出来似的。
我必须承认,这样的特效,做得真是好,与此相对比的可以是《侠盗一号》里面的帝国指挥官还有莱雅公主,我觉得水平是要比那个要高的,至少比帝国指挥官那种有些假的cg要好到不知道哪里去了。
可惜,这终究是假的瑞秋,无论怎样的甜言蜜语,虽然都让德卡心如刀割,却不会因此而出卖自己的孩子。
于是(为了省钱),复制人瑞秋被一枪毙了。
7.炸裂的特效,真实的科幻
既然提到特效了,那么就得夸一夸这片子的特效了。(包括电脑特效和实物特效)
全片观毕,关于特效,只觉得这全片似没有特效一般,所有的光影明灭,飞车盘旋,你仿佛都能在现实中看到一般真实可信。要我说,就两个字:质感。
其实全片并没有大规模地使用特效,虽然依旧是光怪陆离的城市,却并没有虚头八脑毫不实际的光污染(是的,我说的就是你,《攻壳机动队》),而是点到为止的光束广告,而特效中很多的钱应该用在了实物模型上,众所周知,实物模型的真实感必然是非常优秀的。
比较一下《星际特工:千星之城》里面的特效,高下立分。倒不是说色彩斑斓的特效不好,只不过是因为有些特效如果做得太过火,那么也非常容易显得虚假。
而全片最赞的特效,当属飞车在城市中飞翔时,那扑面而来的雨雪了,漫天的,铺向脸颊的雨雪,一下子就将我拉入那个阴暗的世界,在银翼杀手的世界中,仿佛一直都是淫雨霏霏,仿佛永远见不到蓝天,然而就是几十年前那样的风格,引领了大批的拥簇与仿效者,然而时至今日,像银翼杀手2049这般真实而压抑的城市,却又无人能及。
片中除却最让人印象深刻的全息投影与飞车,大概最有科幻气息的就是飞车的新功能,无人机了。其实可以发现,这部片子最重头的两个点,全息投影,ar,vr和无人机都取自当下的热点,却又有所超越,而这种基于实际的科幻无疑会带给我们一种真实的质感,科幻固然天马行空,但是有现实基础的科幻自然更加让人容易接受。
虽然,片子里面的人脸识别,似乎还没有苹果手机好用,毕竟iphoneX的face id在闭眼后就没用了。(所以说科技的发展真的远远超出人的预料啊,拍个电影的功夫,这黑科技竟然就成为现实了)
8.缓叙后的爆发,明暗间的艺术
维纶纽瓦的叙述一如往常,如果有人看过《囚徒》,一定会对里面缓慢的叙事节奏印象深刻,虽然是好故事,不过千人千面众口难调,缓慢叙述缺少高潮这一点无疑会被不少人诟病。
高潮,自然是有的,而且也穿插在电影之中,开场与sapper morton的1分钟的打斗,中前期垃圾场同样是一两分钟的动作戏,中后期和德卡两场加起来不足五分钟的戏码,还有就是最后大坝边不足十分钟的缠斗。
这样一描述其实还是很明显的,虽然动作戏是有,不过绝大多数都显得急促而短暂,虽然如此,不过伴随着音乐,每场戏,哪怕没有实打实的动作场面,张力也是十足的,而在最后水坝边的战斗,k与luv的交锋短短几手,k就落败,丝毫不拖泥带水。
不过再之后的生死较量,先是luv受制,却占据有利地形,紧接着情势逆转,k把luv按倒水下,此时伴随着激烈的音乐,luv水下的挣扎,即将被淹死的德卡,还有拼力按住luv的k,无疑让人肾上腺素疾飙。
这样决绝的,为剧情而服务的冲突,才是真正的叙事,前几日看美版《死亡笔记》,槽点太多就不一一吐了,就一点,你让月和L搞追逐戏是在干嘛?两个人不应该斗智么?其实这样的用一些惯常桥段去填充剧情的手段在很多电影中都有出现。
而在这部电影中,你以为会有飞车追逐么?额,好像是有,不过其实你也并不能看清,几秒钟就结束了。
除却叙事以外,影片的镜头,明暗,色调都是有着非常优雅的设计的,影片的色调主要分为两种,一个是洛杉矶中阴暗的蓝黑色,另一个就是废弃赌城漫天的橙黄色,值得注意的是,结尾k与luv的打斗时,背景的汽车正好显示出一蓝一橙两种色调,两人打斗时背后衬托这种色调,真的是一本满足。
至于光暗的变化,其中尤推华莱士公司的设计,华莱士公司,尤其是华莱士的那一层,将水波与光影完美结合,个人审美原因,就是喜欢那种被切割得异常鲜明,并且随着时间而推移的光暗变化,影片中的光暗,非常漂亮。
还有一幕非常记忆深刻,就是开场k和sapper morton在房屋内对峙,两个人分别出现在房间内仅有的两个光源(两扇窗户)之前,那构图和光线真是绝了。
至于光暗在人物脸上分布来表现情感云云的就太多了,实在太多了,我就不一一说了。
9.废土中的蜜蜂
电影在中后期,k为了找寻德卡,孤身一人(joi不算是人)进入了受核辐射污染而无人居住的赌城之中,而在那个以橙黄色统领的世界之中,他发现的唯一一个生命迹象,竟然是一群蜜蜂。
蜜蜂这个意向在那个场景中可以说是非常剥离且突兀的存在了,那么蜜蜂究竟代表了什么样的含义呢?
在一个导演关于蜜蜂的解释之中,他表明了蜜蜂是一种在当今时代受到气候影响而濒临灭绝的生物。而赌城的辐射环境,却让蜜蜂能远离人类的干扰繁衍生息,这无疑是一种讽刺了。
不过蜜蜂这个意象在我看来有着更多的含义,因为前作之中,在德卡给瑞秋做测试时,其中一个就是“你发现一只黄蜂出现在你的手上”,瑞秋立刻回答“我会拍死它”,而正是这样厌恶或者恐惧的表现才应该是一个人正常的生理反应(虽然瑞秋不是真人,但是应该是泰瑞公司最棒的作品之一了),而k(可能是因为之前从未见过)对此无动于衷,甚至将手伸进去探查,这种行为,似乎早早就在暗示着k终究还是个情感稀疏的复制人。
10.微暗的火
如果大家有印象的话,k在警察局做过一个测试,这种测试考究是是银翼杀手在情感上的绝对冷静,当一个银翼杀手无法通过这种测试的时候,也就是他受到真实情感影响之时,他就不再称职了。
而有意思的是,k在这个测试中重复的话语,来自于俄国作家弗拉基米尔-纳博科夫的小说《微暗的火》,这本小说是k在影片中很欣赏的一个,joi在开篇甚至还想给k朗诵一段。
而他在测试中的片段也是那本小说中的一首诗,可能是他自己选择的这个片段吧。
再让我们仔细地说一下其中截取的小诗,这首诗描写了小说中那个诗人的濒死体验,他看到了一座白色的泉水,后来他从别的人那里也听说了同样的白色泉水,这印证了他的想法,为他关于死后世界存在的观点带来了佐证。
然而后来,他才发现原来原来别人说看到的并不是白色的泉水,只是一个印刷错误,把“mountain”印成了“fountain”。
如果把这个片段和电影情节联系起来,我们就会发现其中的关联,k也是因为一个虚假的希望而感觉自己与众不同,后来发现这个谬误而感到绝望,继而释怀。
其实书中也是讨论了关于真真假假,虚幻与真实的内容,将这本书放入电影之中,也可以说是别具匠心的一笔了。
11.enjoy! Cocacola
你还记得1982年版本里面重复了好多次的可口可乐的广告么?
新版电影里面,它又出现了,而且还是原来的感觉哦。
与前作一样的,还有就是开篇的眼睛,这一次的眼睛,里面没有那么多的灯火,只是纯粹的一双眼睛,却似乎有着洞察一切的能力。
说起植入广告,就不得不说发行商索尼了,真的是竭尽一切可能去把自己的商标塞进去,户外广告就不说了,赌城中老式的全息投影点歌机竟然也是索尼出品的,看来索尼还是有决心生存到新中国建国100周年的。
其余的广告倒是没太注意,不过他们的飞车是标致雪铁龙这一点倒是注意到了。
当然还有预告片里面就出现的巨大的雅达利广告。
顺便也把片头imax在这里提了吧,银翼杀手2049的片头imax,大概是我看过最有设计的一款倒计时了,不仅是变换一下色调加一点元素,而是完全重制了整个风格,光是imax倒计时放完就期待满满啊。
12.讲一讲演技
本片的绝对主演,瑞恩·高司令,他作为镜头的聚焦点,影片中段有他大段独自行动的镜头,也得以让我们跟随着他的脚步去一点点探查真相(虽然后来发现是假的),这对于高司令而言无疑是十分考究演技的。
而高司令呢,并没有让我们失望,他扮演的k身为复制人,有着极为压抑的情感表现,可以说喜怒都不行于色,不管是被打了还是被捅了似乎都没有太多的痛苦流露,然而就是这样的人,在某些时刻的情感表现才让人震撼。
其中最让人印象深刻的无疑就是认为自己是那个孩子时的暴怒了,然而在反转知道自己其实不是天选之子时那种怅然若失的感觉也很棒。
至于和joi的几场戏份,也非常完美。
杰瑞·莱托兄则没有那样出彩,他讲出的话比较玄乎,很容易就给人一种装逼的感觉,然而这种他本人的气场其实与这种带一些天才又带一些癫狂的角色并不相符,感觉就像是自杀小队里的小丑一样,感觉他有努力在演,不过总是差一点劲。
还是怀念他在无姓之人里面的演出啊。
哈里森·福特,不多的戏份里也算是可圈可点了,对于亲情的诠释还算比较到位,毕竟老戏骨了,波折的眉宇之间总是藏着一点戏份的。
还有就是,在最后决战之时,他成为了两人对决的人肉背景,你看k和luv在生死搏斗,德卡在后面一跳一跳地浮沉着,莫名有点滑稽。
joi的扮演者,安娜·德·阿玛斯,讲真,影片里挺好看的,当初看预告我还以为是侠盗一号的女主呢,不过真人就...和星战7里的黛西一样,女主在电影里不错,出来就不行了(大方脸)。
啊,对了,差点忘说演技的问题了,这个人还不错吧,算是情感比较丰富的了。而且因为其感情的过度显露,也会让你最后怀疑她感情的真实性。算是比较成功的角色塑造了。
luv的扮演者Sylvia Hoeks,她演的反派比较模式化,僵硬的感觉还是很有复制人的风范的,不过她在杀死警察局长时的落泪和刺伤k之后与他突兀的一吻,似乎又暗示着在她唯命是从的行为之下,也许是在默默抗争,并且拥有真实的情感的。
顺带一补,似乎她最后和k的一吻是直接撞k脸上了,把鼻子都撞出血了,小姑娘还是年纪太轻,不懂浪漫为何物啊(滑稽~)。
(评论区的“了了”提出,luv的吻可能只是在机械化地模仿华莱士刺伤女复制人后的那一吻,她并没有情感,然而她在杀人时也会流泪,这些都只是程序上的设定,或者是她为了能变得更像人的尝试。)
sapper morton的扮演者戴夫·巴蒂斯塔,更熟悉的名字应该是银河护卫队的毁灭者drex,他出场的镜头很少吧,当然在短片2048里面也有出场,意外地还不错。
13.独白与无言
1982年的银翼杀手中,最为人们称道的便是Roy最后雨中的独白了。
我本以为,银翼杀手2049里面,也会有一段仿效的独白。
没有想到,最后的最后,仅仅是k把德卡送了进去,吃力地坐在雪中的台阶上,用手接了几片雪,打开衣服,看了一下伤口与染红的雪地,然后缓缓地倚靠在台阶上。
那一个瞬间,虽然他什么也没有说,我却觉得,就这一个动作其实已经足以匹敌原版的独白了。
那种孤独,那种落寞,那种最后兀自一人的伤感,却又在躺下后,一切似乎都变成过眼云烟,无足轻重。
再没有了泪水会被雨水冲刷的话语,他一句话也不说,这是最好的。
华莱士之后如何,父女相见后又如何,这一切未有解释的残局,终会被雪花慢慢掩埋,变成国画中的一抹留白。
Cells. Cells. Interlink. Interlink. Cells Interlink. Cells Interlink.
在《银翼杀手2049》中,我最爱的一个段落,不是狄金斯标志性的航拍,或者是K孤独的走在拉斯维加斯红色的废土,又或者是最后K倒下那极似Cowboy Bebop结局中Spike的身影;而是这一段Baseline Test,测量复制人精神状态的基准测试。到现在K一字一句跟着机械复诵的声音仍然在我耳边围绕。Cells. Interlink. Cells Interlink. 如此美丽,如此疏离,如此孤独。
我为什么如此喜欢这一段?它区隔了人与非人。也区隔了电影与现实。它所传达的,是一种我们不能理解的东西,一种没有任何逻辑的冲突;而正是这种冲突感,营造了这个电影中的世界。
我们知道(或者说自然的推理出),这个Baseline Test是延续自82年《银翼杀手》中那个著名的Voigt-Kampff test;那个Test通过询问一些具体问题,来区隔出人类和复制人;这个测试的主要逻辑在于,复制人所植入的记忆是虚假的,通过询问他们对一系列关于记忆和感情上的问题,可以察觉出他们在这方面的缺陷。这个原则下Voigt-Kampff test所给出的那些问题是什么呢?举几个例子如下:
今天是你的生日。某人送你一个牛皮钱包。你的反应是什么?
你在看电视,突然你发现你的手上爬了一只黄蜂。你会如何反应?
使用一个单词,好的词汇,描述你的母亲。
诸如此类。
我们能发现这些问题实际上的确是那种你如果去做心理学测试就可能会被问到的问题——如果说这些问题能够测试出没有过去和情感的复制人与真人之间的差别,我们会认为这是合乎逻辑的。这与82年电影中对于2019年的想象是一样的:黑暗拥挤的大城市,生态崩溃,到处是广告和日语的标识,那个时候的人们所构想的一个黑暗的未来大概就会是这样。
而Baseline Test则完全不同。这个测试的目的是“测试复制人的精神状态是否在标准状态”,而它的测试手段则没有任何我们能够理解的逻辑——测试所使用的词句没有逻辑(从纳博科夫小说《微暗的火》中摘抄出来),测试所使用的方法也没有逻辑(跟着机械复诵单词),测试的标准也没有在片中有任何说明。这个测试是一种在电影中自为自有的逻辑,而完全超出了我们的理性认知范围。
从世界的设定来看,这两个测试的本身目的也是不同的:82年版的VK测试,测试的是复制人到底有多么像人,是否拥有只有人才有拥有的一些情感和逻辑,从而将复制人与真人分开来;而银翼2049的Baseline测试,测试的则是复制人有多么不像人,紧紧的盯着复制人的情绪波动,想要将复制人的情感控制在一个简单而平稳的状态。这两个不同的测试,有着相似的地位,似乎是相似的手段,但确是执行截然相反的目标。
它的出色之处就在于它是一种在电影中自为自有的逻辑,这让我们意识到,这个2049年的世界,是从那个1982年的电影中的2019年世界所发展而来的,已经与我们现实的这个2017年的世界分道扬镳。它所区分的,是人与非人,也是电影与现实,这让我们十分好奇想要往这电影的帷幕之后探眼看去——这样的一个我们看起来近乎于胡言乱语的Baseline Test,它背后的支撑原理是什么?
这就是科幻的惊异感(sense of wonder)的来源。之前所无从见过,前所未有的体验扑面而来,让人惊叹。于是你能说的,只能是单纯的一句Wow。
这种Wow的惊异感,就是只能是科幻能带给我们的:我们在这块屏幕上所瞥见的那个庞大而美丽的世界,那个自为自有,以自己的逻辑而发展的世界,那个拥有高性能飞行汽车和人工智能,却没有移动电话的世界,是如此真实而又确切的一个存在:它其中的一砖一瓦,一点一滴,都是有其自己的基础支撑的。这是科幻电影的一种最高的形态:构筑一个世界。而只有极少的科幻电影达到了这个水准。
让我们再次前往那个2049年的洛杉矶吧。狄金斯的航拍镜头是他的标志,而没有任何其他的电影如同银翼杀手2049这样将他的航拍令人战栗地发挥到了极致:每一个航拍镜头都向我们揭示了那个严酷的世界。大地上铺开的一个又一个的太阳能热电站代表着人类在绝望之中所做的最后的努力;一块块的大棚农田下是合成农业,其他生物全部消失,人类用技术和工业手段在地球上苟延残喘;洛杉矶密密麻麻的建筑在永不停歇的暴雨中无穷无尽的蔓延开去,尽头则是高耸入云的防波堤墙,墙外是狂暴的太平洋,南边是圣地亚哥废土,垃圾堆放场,人类自己的欲望将地球改造成了一个拥挤,绝望的世界。有很多人说银翼杀手2049不再像是赛博朋克,而有一大部分刻画的是废土世界,其实我觉得这才是赛博朋克最正常的状态——走出拥挤,黑暗的赛博大都市,外面则是寸草不生、荒凉绝望的原野,这简直是最自然的事情。如果赛博朋克都市之外却是鸟语花香或者乡村风光,这种搭配才叫违和。赛博朋克代表人类的技术和罪恶,这种罪恶仅仅局限在城市中,岂不是太奇怪了吗?
银翼2049中的这个世界,并不仅仅是有令人惊心动魄的航拍;在这里我还想说银翼2049中的显微镜。这些细微的,不太会有太多人注意的小东西。那种探查到骨骼内部结构的X光机式显微镜,在变换视角的时候使用的方法是更换镜片的动作——这种镜片更换视角实际上在物理上是不可能的,但是就这样一个小细节,就提醒了我们,这是一个并没有数字化,使用机械和模拟电子装置的世界,即所谓的“复古未来主义”(Retro-Futurism)。影片中这样的细节还有很多,比方说DNA检测仪仿佛就是微缩胶片的机械式卷片方式,还有安娜博士手上的那个造梦机:虽然具体的原理并不清楚(当然,也不可能清楚),但是这个造梦机跟80年代生产的很多相机镜头有着完全相同的结构和质感。
从某种意义上来说,电影既是最适合构造世界的媒介,也是最不适合构造世界的媒介;它最适合构造世界,在于它是完全的视觉化的呈现——某些在文字上需要花费大量笔墨才能够描写的细节,在电影中,只需要出现,就能让人自然的理解。而它最不适合构造世界,则在于一部电影最多也就三个小时那么长,它能讲述的故事也就那样多,想要构造出一个世界出来,实在是太有限了。最出色的构造世界的科幻小说,可以用几十万字上百万字来细细描绘一个世界;漫画可以用成千上万的画面来描绘出一个世界,而只呈现最低程度的故事(是的,我在说《Blame!》);游戏则更是可以将一整个世界的一草一木都刻画下来,真的去构造一个世界出来。
这就是银翼杀手2049最出色的地方:它真实的构筑了这个世界,它花费了大量的时间来向我们展示,这个世界的各处;而这些在很多其他人看起来没有用,拖慢节奏的部分,才是这个电影真正的价值所在。最伟大的科幻电影都是这样的,而那些喜欢将故事传达到最紧凑,绝不肯在“多余”之处多费笔墨,高效的将故事讲完结束的科幻电影,就算它的故事再精彩,特效再真实,都最多只能成为“优秀的”科幻片,不可能成为“杰出的”科幻片,而最吝啬的那一些则是“平庸的”科幻片(在这里特别批评《Tron Legacy》)。
银翼2049的故事批评呈现出一种奇怪的两极分化:一般的观众觉得,这是一部节奏过慢,过于松散的电影;而真正的科幻迷则批评此片的故事过于紧凑,过于局限;说实话,我是后者。在这样一个孤独的,冷漠的,人和人之间的关系疏离的世界里,不应该存在那样的巧合,最后得到那样的团圆;没有止境的,徒劳无功的寻找才应该是电影的最后结局。但是,在这部电影中,剧情并不重要——或者说并不是最重要的,最重要的则是它继承了,拓展了这个与我们的现实分道扬镳30年的世界,它重新发扬了科幻最优秀的传统,让我们的想象突破了那些无趣的,一成不变的超级英雄所谓“电影宇宙”,而去真正的思考一些最严肃的问题:人与自身,人与世界的关系。这则是我对它的定位:
不朽。
很暗,很慢,很不一般。好莱坞还有这种抛弃主流爆米花观众的玩咖,我服。喜欢的几场戏: 1、高司令多重曝光玩3p 2、落了片白茫茫大地真干净 3、北京雾霾立了大功,不给LA任何机会 4、沙尘暴城放大四倍抬高四百米致敬老版银杀 5、杰瑞影音光控室戏耍老狄克 6、待续
生死去来,棚头傀儡。一线断时,落落磊磊。
某些时刻感觉像塔科夫斯基在拍银翼杀手,但归根结底维伦纽瓦只是故作深沉,相比163分钟片长和视觉上应接不暇,文本简单明晰到过于单薄,更不可能创造出前作过度繁冗的解读空间。不过仍旧是对得起前作和粉丝们的优秀年度之作。好莱坞对这个艺术片导演如此放任地重用在今天大环境真是匪夷所思。
奥斯卡大叔应该跪着把摄影奖给罗杰·迪金斯递上。
虚体触摸到雨滴,废土生发出黄菊,复制人可以生育,这是你见证的奇迹;陨落前冲上去说的我爱你,浓雾里黄蜂纠缠的手臂,穿过漫长时空烟尘的对望,这是你感受的奇迹;暴雨在窗上逆行,微雪融在手心,傀儡有了灵魂,这是你经历的奇迹。在温箱里尽情想象,于记忆里放肆寻觅,见过了奇迹终于可以了此一生。
高司令似乎还没有完全从上一部角色中跳出来,看见钢琴都要上去按一下……
四星半,文艺科幻大片。维伦纽瓦迄今最成熟的一部作品,将他的风格化融入科幻剧情当中,废土与神秘。罗杰·迪金斯大玩烟、雾与剪影,影像与配乐都很强烈。超巨大的建筑物带来强大的仪式感,让整部电影更具神秘主义,还有仍然觉醒式的剧情。近些年太少见的严肃科幻大片。杰瑞德·莱托戏份不多,却很亮。
雖消費大街上亞洲文字舉目皆是,但那個城市一張東方臉孔都沒有。心靈依歸的上好文化仍然是那個good old America。女體的物化與操控仍然是這類片種的必備元素,憤慨的呵欠。(我們鮮少看見赤裸的男性人工智能,身體被人隨意玩弄殘虐。)要平權,務必以槍枝浪漫革命?對運動的想像仍然蒼白。
这不是商业片啊,这是碉堡了的文艺片啊!维伦纽瓦用最擅长的慢性把雷德利·斯科特的邪典完全磨成了自己的东西。故事并不复杂,甚至比老版少了点哲学意味,但呈现的废土美学震得人七荤八素叹为观止!越慢越好看,慢性出诗意,高潮你麻痹!163分钟真~~~过~~~瘾~~~
我们耗费了太多时间去寻找生命的意义 去寻找自我的灵魂 我们连理解自身都做不到 却想要触手未来 去挑战自然 或许生命本身 就是去闻一朵破碎的黄花 去触碰拍打着翅膀的蜜蜂 让烟雾从身旁飘过 让雪花在手心融化
从第一部的存在主义,思考人类与复制人之间的界限,到这部变成人类之子的议题,“繁衍=希望(界限)”,以及父与子的命题之类,不免还是有点禁不住细想了。其实福特那个角度更值得好好拍一部的,谁知道Deckard在三十年间手握这么大的秘密却不能去寻找,是如何在漫天黄沙中度过漫漫长夜的呢
一开始是复制人,后来以为是天选之人,最终只是个局外人……如此经历便是“人”了。
形式大于内容的视觉系科幻片,与前作一样都是渐入佳境,存在主义,废土美学,人类之渺小,情感之虚妄,思想维度高级。适合都市白领禅修净心,重新看待世界。
格局很小,气势很宏大,剧情也很简单,然而讲的很复杂。说真的这个导演去拍攻壳多好……
太想把故事说清楚,反而显得笨拙,丢失了点原作那样的韵味。但同时又出色的对原作主题进行了延续和更具时代性的探讨,在超级英雄电影横行的好莱坞逆流而上,节奏如此之慢高潮戏场面如此之小却释放出了维伦纽瓦和迪金斯合体的最大威力和魅力,有几场戏值得入选任何人任何媒体的年度最佳电影瞬间。
这不是一部适合约会和朋友谈资的娱乐爽片,因为它有一种宗教般的肃穆、宏大、缓慢和沉重,但这应该是一部二十年后你会跟你儿子吹逼说:“爸爸我当年可是在电影院看过”的电影(是的,就像三十几年前那部银翼杀手本尊一样)
维伦纽瓦又一个被封神的导演,21世纪最好的电影续集。电影从第五分钟开始就已超神,在接下来的近三小时里犹如神游太虚,这将是科幻迷一辈子都会魂牵梦绕的电影,罗杰迪金斯不拿奥斯卡简直天理难容。电影在原作的基础上进行扩展,本质上却是一部原创电影,这使得本片既「银翼杀手」又不「银翼杀手」。 @2017-10-05 12:11:19
半夜走出影院,竟然久违地下起了密雨。
简直科幻版海边的曼彻斯特,“我的女友住在U盘里”也太惨了吧。不过这场年度憋尿大考验我还是输了!Shame on me!
「極度冷靜和克制的人才懂浪漫」。有生之年能等到維倫紐瓦+狄金斯一起拍三體嗎?(沙田UA)