剧照
剧情介绍
长篇影评
1 ) 关于《宣言》的只言片语
“不仅要改变艺术界，它旨在改变全世界。我们在世界中寻找自我，向世界呼喊出自己内心的不安，我们要重现狂飙突进的时代。”导演朱利安说。 —— 引言
我并不是很懂艺术，但我熟悉我所理解的个人世界，充斥的虚伪，矛盾和永无止尽的贪婪。这是这个时代，这也是每一个时代。
身处于这样的或者那样的体制下，我们永远都是戴着枷锁前行，我们幻想着有朝一日可以自由的舞蹈，却不得不在第二天早上按时起床去推石头上山。
我们，用我们来欺骗自己，用他们去给他们做榜样。
铸建了一个庞大无比的监狱。
而宣言，
大概也算是一种反抗方式了吧。
2 ) 大魔王布兰切特背后的男人|朱利安·罗斯菲德
尤记得去年大魔王凯特·布兰切特在《宣言》中一人分饰13角。
各大媒体都聚焦在她惊人的操作，却忘了真正的幕后“黑手”。
大家难道不好奇，连大魔王都想与其合作的导演，是何方神圣？
朱利安·罗斯菲德
Julian Rosefeldt
朱利安·罗斯菲德于1965年出生于德国慕尼黑，现生活工作于柏林。有着影像艺术家，电影导演，美术学院教授等多重身份。
“艺高人胆大的德国获奖导演”，这是《宣言》香港电影海报上对他的定义。我们绝不否认，轰动一时的《宣言》为他赢得了名声，但这也是他应得的。
Deep Gold，单屏电影，黑白，2013/ 2014
算上90年代到现在，朱利安也已经有至少超过20部影像作品，还不包括摄影作品。
早期他制作了大量的16mm和35mm电影，多以影像装置形式展出。
The Shift, 2008
他的作品有几个显著的特点，第一是全景多通道投影，屏幕巨多，并同时播放的沉浸式体验。
American Night, 5屏影像装置;彩色，声音; 2009
第二是时常充斥着辛辣的讽刺幽默。
The Swap，2015
第三是对自我深刻的反思，对当代社会深刻的反思。
Detonation Deutschland，1996
沉浸式体验很好理解，他善于将电影投射到多块屏幕上，创造出一种类似全景的效果，把观众带入一个超现实的、戏剧般的世界，那里的居民被日常生活的结构和仪式所困。
The Shift, 2008
《宣言》
《宣言》是罗斯菲德最新的一部作品，有电影和影像装置两个版本。
去年《宣言》作为影像装置第一次来到中国，在上海昊美术馆首次展出，采用的方式便是用十三个屏幕同时播放，打破了他自己的记录。
昊美术馆展览现场 ©️昊美术馆
《宣言》的创作灵感来源于罗斯菲德的一次观影，以及与布兰切特的相遇。他很喜欢的一位电影导演托德·海恩斯，曾执导了一部纪念鲍勃·迪伦的传记片《我不在那儿》。
《我不在那儿》剧照，布兰切特饰演鲍勃
片中多位演员饰演“不同”的鲍勃·迪伦，其中布兰切特正好是最后一位演鲍勃的。他对这部电影多人分饰一角的表现形式和维度吸引，所以与布兰切特达成了合作。
“历史上的艺术宣言能否影响当今社会”，这是《宣言》对当代的提问。
《宣言》剧照
《宣言》的剧本是罗斯菲德引用了20世纪的一些艺术家的发言，观点和宣言。他认为这些宣言绝大部分仍符合当下实际，毫不过时。这是一次对创作者的致敬，也是一次曾经的宣言能否适用于今的检验。
《宣言》剧照
罗斯菲德通过从100多篇宣言中筛选出了60篇，并浓缩成13个文本，借由13个不同的社会阶层，不同教育水平下的职业身份表达出来，将艺术宣言引入日常生活，产生共鸣。
《宣言》剧照
像在教师篇中便引用了贾木许的名言：“没有什么是原创的”。布兰切特试验的老师对学生教育道：“你可以从任何地方窃取，那些与你的灵感有共鸣，或激发你想象力的地方…”
颇有误人子弟之感，却有着辛辣的讽刺与幽默。
宣言，2016-2017 © James Ewing Photography, Park Avenue Armory
《宣言》与其以往作品都不大一样。《宣言》的话特多，但在他另外的作品里，人物往往是沉默寡言的，反而突出的是音效。
《交易》，《干涸之地》
In the Land of Drought,2017
《干涸之地》拍摄于摩洛哥，片中工业部分取景于德国。
影片描绘的是一个未来世界，一队科学家来到了已经被人类搞得一团糟的地球，人类毁灭了自己的文明，古老的庙宇，宣言以及工业文明，连人类也销声匿迹。科学家们身着白衣，对遗迹展开研究。
In the Land of Drought，单屏电影 2017©Roman März
罗斯菲德一直很关注在现代社会和消费时代下心自由资本社会，如何塑造这颗星球和人类本身。并将我们变成“愚蠢的消费者”。
他认为艺术家应该审视这些问题，来开阔观众的视角。这也体现在他的很多作品里。
In the Land of Drought，单屏电影2017© Angela von Brill
他从青少年便乐衷于电影。
在《交易》中，他专注于特定电影种类，探寻电影本身。
The Swap，2015
他没受过专业的电影制作人训练，但他经常感叹于电影拍摄所呈现出的效果，如何在拍摄中及不同电影种类下营造某种氛围，创造出虚构现实和精神现实中的真实感。
The Swap，2017，昊美术馆，© Liu Feng
另一方面，《交易》与《干涸之地》紧密的联系在一起。
它们都是探讨的都是当代社会问题。它指问如今的一些货币交易，财产失控，以及银行存款不透明的情况。现如今“交易”不断地发生，我们逐渐失去了对金钱的基本控制。
The Swap，2016 © Kruszewski
《小丑》，《愚人船》
American Night，2009
他早期的作品，多是对于生命荒诞性的发问。
对于生命中的日常仪式，我们毫不怀疑，想当然地遵循，但我们审视自己如何度过自己的一天时，我们会发现，那是多么的戏剧和荒诞。
Clown，2005
《小丑》讲述的就是一个小丑，没有观众，没有舞台，只有大自然和漫长的一天。
Clown，2017 昊美术馆© Liu Feng
若隐若现的角色，可以被看作是生活日常荒诞的隐喻。
Detonation Deutschland，1996
众所周知，德国有着悲剧性的历史。
罗斯菲德正好是二战结束20年后出生的一代，他们这代人不可避免地会提到这个问题，所以他早期经常创作具有自己文化认同和名族认同问题的作品。
The Ship of Fools,2007
因此他经常尝试用不同的方式，来探索德意志民族对待历史的态度，所以在他的影像作品中，经常有一个多次出现的主题：一个人面对大自然，镜头向后运动，观众产生被自然淹没的感受，再直面这种自感渺小的美妙感情。
My home is a dark and cloud-hung land, 2011
人类何其渺小，生命何其荒诞。
现在哪有人还会思考这些哲学问题呐，我们一直在接受，接受被安排，工作，接受观念，接受标准，一天结束了，大家就开始高举自由的酒杯，抱怨几句，最后再安慰自己，这就是生活。
当我们审视自己这一天的遭遇，就好像什么都没做般荒诞至极。
American Night，2009
来一场说走就走的旅行几乎是不可能的事情，但稍作改变，只是你想与不想的问题。
「AME影说」第二期，便是一次不守规矩的放纵之旅，改变的机会放在这里，就看你想不想打破僵局了。⬇️
参考网址：
朱利安·罗斯菲德官网
//www.julianrosefeldt.com/photo-works/
—End—
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往期回顾：
厌食症，“恋物癖”，被禁拍7年，依旧阻挡不了他成为大师 | 杨·史云梅耶
3 ) 《宣言》（Manifesto）与20世纪艺术流派
（去年当成作业的小文章，不算影评，姑且贴过来记录一下）
今年北影节最喜欢的一部电影是Cate Blanchett 主演的《宣言》 （Manifesto），导演并不熟悉，但Cate Blanchett 的演技真正能称得上一个人撑起一部电影，她在片中一个人饰演了13个角色，分别指向20世纪的13个艺术流派，不同的角色中，她的妆容、语气、语调、口音、气质都截然不同，演得真正滴水不漏、酣畅淋漓。
我很喜欢这部电影的基调，略显轻浮做作的隐晦可说近乎直白。导演在一开头的旁白中就将他的意图和思考清清楚楚的说了出来，“我反对行动/我支持永续的矛盾和积极的表态/我不解释，因为我讨厌共识/我在写一份宣言，因为我无话可说/我只谈论自己的心，因我并无说服之愿/我无权将他人拽入我的河流，我不逼迫任何人来追随/艺术领域里人人都能独辟蹊径，只要他感到愉悦——会有人真心认为，他找到了全人类的共同精神基础吗？一个人怎能将无尽无形的混沌加以秩序化？就凭人？”
是啊，就凭人？那些掷地有声、锋利如剑的言语是他们真心坚信的吗？或只是一种处在近乎狂怒的激烈情绪中的宣泄？如果再尖刻一点，又能否怀着恶意揣测为一种消费主义下的自我营销？这些问题又会牵扯出更多更大的问题。如何判断艺术的价值？怎样界定艺术的范畴？艺术有普世的评判标准吗？或是那个终极的问号，什么是艺术？
导演似乎无意、也无法回答这些问题。他选择耍一个小聪明，规避宏大，仅谈论“我”对20世纪艺术流派们那些不成体系的机敏见解。因为不成体系，电影结构被割裂成13个部分，整部电影仅用“20世纪艺术流派”、“宣言”、“Cate Blanchett”这三个点串联。导演似乎仅是想与人随意高谈一番现代艺术，本质上与酒馆茶肆中的闲谈并无不同，机锋有余，深度不足。整部电影都像一份主题为“20世纪艺术流派”的考卷——“你能明白我在说什么吧”——那些并不深刻的隐喻只是用来吸引同好。
但这正是我喜欢这部电影的原因，机敏灵巧却不成体系，轻浮华丽而缺乏深度，这种类同的气质让人心生亲近，就像抓住了彼此的小辫子，擦肩而过的时候相视隐秘一笑。
艺术并不是反映社会的一面镜子——艺术参与世界的进程，是世界的一部分。从19世纪后半叶开始，就无法避免的随着世界的进程而发生重大的变革。“旧世界已垂死/新世界在萌生/在此变革期间/艺术家的角色也只能是革命性的”。立体主义和野兽派固然被认为是现代艺术的开端，但杜尚才是真正对古典“fine-art”举起尖刀的人——艺术不只存在于技巧、形式和被限定的美学之上，艺术也并不囿于画布、大理石和刻刀画笔之间。艺术可以是一个被艺术家签名的小便池，艺术可以让人大笑，艺术可以尖刻，艺术存在于特定的情境和意义之间，也存在于观众与作品之间。贡布里希说，只有艺术家而不存在艺术，这句话实可作为杜尚的脚注。
杜尚被视为达达主义的重要艺术家之一，但也仅是后人所为，我怀疑杜尚本人是否会认可这个标签。苏黎世达达也许受到杜尚很大影响，但在根本上还是与战争、哲学深切连接，一战让达达的艺术家们反对逻辑与意义，他们只关心偶然、无意义与荒谬。电影中Cate Blanchett在达达片段中饰演了一位在葬礼发表讲话的司仪。“你们也许热爱生命，但你也养成了恶习/你们太热衷于你们被告知要去热衷的东西/墓地、忧郁、悲情爱人/你们如果不是这么懦弱/沉沦于所有那些被灌输的高谈阔论、那些作教义状的胡说八道/你们就会揭竿而起/玩起大屠杀的游戏/就像我们一样/但你们太害怕失去信仰/我们参阅一切，我们钟情无物/我反对体制/最可接受的体制，是规定不允许出现体制/逻辑的废黜者——达达/记忆的废黜者——达达/考古的废黜者——达达/未来的废黜者——达达/达达——眼下是一坨屎/但是从今往后/从今往后/我们要拉出五彩缤纷的屎/达达既不是疯狂/也不是睿智/也不是讽刺/达达——就是虚无。”Cate在死者下葬之前面对前来吊唁的人群发表了声嘶力竭的戏剧性讲话，关于生死、意义、达达、艺术与“在座都是蠢猪”，听者却毫无反映，麻木而悲伤，就好像台上的女人只是在正常的哀悼死者，讲话结束后哀乐奏起，死者下葬，仪式开始，就像“达达”从未发生。
续接的叙事指向波普艺术，我认为这个转接非常有意思，我眼中的波普一直是对达达和杜尚蹩脚的继承。Cate Blanchett在这段叙事中变成了一位中产阶级家庭主妇，为丈夫和四个孩子准备了精致的午餐，在午餐开始前进行祷告：“我要的艺术，既政治、又情色、还神秘/不要一屁股把博物馆坐穿/我要的艺术/从一条小狗的嘴中吐出/再五层高的屋顶坠下/小孩会剥掉其包装/尽情舔舐…我要的艺术/梳至肩膀/挂在耳边/刮自腿上/刷到牙上/安在腿间/滑到脚掌”这样毫无意义的祷词女主人说了七分钟，丈夫和孩子似乎早已厌倦却习惯了这样的场景，他们满脸不耐，却又似毫无办法，终于结束后，一家人的手拉在一起，一起虔诚的重复道：“方，变成滴状。”——荒谬却又顺理成章，正如波普本身。
当摄影和电子技术让图像变得廉价而泛滥，艺术想要以图像动人似乎格外困难，有的艺术家选择拥抱哲学，抬高艺术的门槛，这些艺术家走向观念艺术；有的艺术家则选择拥抱大众，将门槛降低至零，安迪沃霍尔和波普艺术属于后者。消除精英艺术，让生活成为艺术，这些理念无疑是对杜尚的继承，安迪不过在20世纪后半叶的消费主义浪潮下进行了新的阐释。“要说他哪里比杜尚强，就是他的自我包装和营销吧，简直是网红的鼻祖。”——这么说的时候朋友却认为这本身就是安迪沃霍尔的意义：凸显了大众，形成了艺术家与观众的互动关系，造成了杜尚所没有的张力。觉得很有道理，却还是无法不讨厌，很偏激片面的认为自安迪沃霍尔之后，艺术圈形成了营销和炒作的风气，但其实也明白让安迪沃霍尔背锅是不公平的——并不是他开启了这个时代，他只是这个时代的一部分，一如波普。我也只是不喜欢这个时代，不喜欢我们自己的时代。
看完电影之后和朋友聊起来都觉得20世界的现代艺术流派十分有意思，似乎是艺术成史以来最自觉的一代艺术家，会自己给自己起名字、写宣言，不劳驾后人。归根结底或许还是因为那个特殊的动荡时代，工业革命、资本主义、世界大战、共产党派、消费主义、科技爆炸，世界一下子变得让人太过目不暇接，艺术家们也困惑于艺术的定义。艺术是什么？这个问题变得没人能回答。是否正是因此让艺术家们放弃了将这个无尽无形的混沌加以秩序？于是产生了流派，众多艺术家以己身为船、宣言为帆，想以此在艺术之海中掌握自己的航道？
以一个行外人的票友身份，我无意也无法回答这些问题，正如这部电影一样。但这似乎也不影响我们兴致勃勃的谈论梵高与高更、莫娣与穆夏、索尔勒维特与马赛尔杜尚。“当我们谈论艺术的时候，我们在谈论什么？”——我真的不知道。但我们持续谈论，满怀热情。
4 ) 涉及到的所有流派
流浪汉：情境主义
股票经纪人：未来主义 工人：建筑 化工员：绝对主义，建构主义 葬礼演说家：达达主义 家庭主妇：波普艺术
朋克：神创论，条纹主义 聚会组织者：旋涡主义，蓝骑士派，抽象表现主义 编舞：激浪派，贫穷艺术（Mario Merz，感谢concis），行为艺术 人偶家：超现实主义，空间主义 新闻播报员与远程记者：概念艺术，极简风格 教师：道格玛95
5 ) 好电影是上好的食材，而你则是这道菜的料理师
[爱心]我认为的好的电影本身就应该是艺术品，应该对你具备基本的尊重，也可能只是给到你一个灵活/无拘的框架与精选的元素，这有点像美食给到你上好的食材，而料理本身，留给你自己操作的空间结合自己毕生至今的感想与理解，发生完全的与不完全的化学交互/反应，而你，可以被认为是这部电影的“料理师”.是的，你沉浸认真的为自己料理这道菜。_Maskin
6 ) 人性的自由与艺术的反抗
人性的自由与艺术的反抗
《宣言》（Manifesto 2015）好像是有关艺术（哲学）史的电影。它涉及到不少哲学概念，比如自然主义、无政府主义、存在主义、理性主义、实证主义、反智主义等，也涉及到许多艺术名词，比如文艺复兴、达达主义、超现实主义、先锋派、激浪派、概念艺术等。重要的是，它还提到人性、本能和潜意识。然而，它似乎又意不在艺术史或艺术哲学，因为在陈述事实的同时，它在不断地进行价值判断，分明是在引导观影者认同它对艺术的看法和态度。据说影片是由本来组成“装置艺术”的12个短片经导演打乱顺序重新剪辑而成的。既然定名为“宣言”，那就是想向这个世界宣告点什么；既然组成了一部电影，那就应当有个统一的主题。我不知道导演藉以串起整部片子的确切主题是什么，但我看出这个主题应当与人性有关。不妨解释如下：
影片一开始有段前言，似乎是要说明，本片名虽是“宣言”，但它却是非常“个人性的”。然后分别对艺术和人性给予整体性看法：艺术应当是“自由”的；人性从来都有点“自大”。
贫富分化往往孕育着变革，而变革期间，艺术家们又往往是时代的急先锋。虽然革命能够清除那些空洞恶心的美学余孽，但在革命的废墟上依然需要重建，艺术家的职责就在于激发人的潜意识中蛰伏着的“创造本能”。
当神权之外的世俗力量被人认识时，人的思想便开始解放。人们在束缚中争取自由，打倒中寻求解放，速度或效率成为时代的关键词；人们热爱危险，崇尚消费，勇于挑战，鼓吹战争，愿为理想捐躯，集体主义至上。人们相信打倒对过往的崇拜，才能从所谓的“伟大”中解放出来；也只有这样，我们才能建立近代文明的统治，“为青春、暴力和胆量留出空间”。
艺术的旭日正待破晓！人是有意志的动物，这必然会带来变革。在变革中，在打倒的传统主义的废墟上，崛起的也只是“机器”：一切只为了生活的方便。而这正是那个时代艺术的标签。（极简主义？）
“方便”是以“人”为中心的，不考虑“自然”。“方便”不会带来人与自然的和谐。“方便”可能会牺牲环境；“方便”会让人愿意留在方便的空间里；“方便”的另一代名词是“简化”或“单调”。所以，当方便的空间成了艺术家的桎梏，当“方便”成了艺术指导思想，那也正是艺术有待进化之时。文艺复兴让人文精神发扬光大，但过分崇尚“自然”，注重单纯描摹，让艺术的创造无异于对大自然财产的“查抄”；极力地追求真实，排斥浪漫，那种逼真也往往徒具其形而丧失神韵。（未来主义？）
“死亡”其实没有什么好哀悼的，它为新生命让出了空间，这也是“死亡”的道德意义所在。对死亡的“恐惧”，人们追求世俗“名利”和寻求精神“依附”，然而这一切不过是“虚无”和“无意义”。终结一切没什么值得难过的，“破坏有时就是创造”。认识到这一点，我们才能从所谓的“主流”中解脱出来。（达达主义）
人是万物的尺度，艺术最终还是为人服务。艺术应当来源于人，用于人、满足人性的需要。
理性是人认知的前提，不合理性会带来恐惧。所以，不合理性或不合常规的东西会遭到排斥。然而，艺术的发展有时需要“绝圣弃智”。在理性和逻辑的范围内，任何作品都是可以预期的，而可预期的东西无论如何也难以让人震撼的。然而，也是令人奇怪的：“未知”虽然能带来恐惧，但这正是人们好奇和兴趣的来源：能够引导人们去了解它的正是它令人震撼的“未知”。所以，是“真相”而非“真诚”才是艺术的本质需要。（表现主义？）
应当为“美”而欢呼！那些令我们神清气爽的优美环境是人与自然和谐的象征。当然，之所以优美，是因为它们满足了我们不同的感官需要。我们也会为“永恒的建筑”欢呼！能称之为“永恒”者，是因为那是让人感觉到“生气”之所在：“没有生气，便是死亡”。色情通常受道德规则约束，但艺术中的色情部分往往最让人心旌荡漾；色情可以说是人性之永恒需求，当色情与建筑结合，那便是建筑之生气所在，震撼力之源头。（波普艺术？）
人性是崇尚自由的，即便有规则，人也经常会越轨而行，由人组成的世界当然也就不总能协调一致地运作。正因为人性的如此特点，艺术世界既有体制和规则是可笑的，所谓的“艺术自律”更与人性背道而驰。艺术需要创造。虽说艺术也提倡“真诚”，但艺术家若为情感和欲望所累，他的真诚就不过是一种“取悦”。眷恋过去，难免模仿，大脑不易形成新的物象，惧怕未来，我们更无法追求“真相”，这就是先锋派为何提倡“革故鼎新”、“活在当下”的原因了。“我们唯已，压倒一切；自信，坚定不移；独特的自我照亮我孤独前行。”这是那些反传统、反规则的先锋派的自画像。由此，我们似乎也能看出，“随性而行”有时并不是为了快乐。（先锋派）
生活可以属于过去或未来，但艺术只能在当下，“当下”才是活力之源。“活在当下”是一种生活方式，意味着自性的解放，意味着对自我真情实感的关注。那些压抑在潜意识中的，那些我们尚未意识到的，那些在梦中才能显现的，在通常情况下被称为愚昧和兽性的东西，可能反映了我们真正的需要。然而，虽然原始，但它们正是艺术的本能。（涡旋艺术）
即便如此，艺术仍然反映了我们的生活，或者艺术本身即是生活。有人对此深信不疑，一如对宗教般虔诚。
艺术有时是需要通过“离经叛道”的方式来发展。通常，人们在打倒中树立，但激浪派是把打倒本身当作“树立”，这种行为确实令人瞠目结舌。然而，这未尝不是人性的一部分，或者说，条件合适人人都可能是激浪派。激浪派除了“化有为无”，因为它否定一切，也能“无中生有”，打倒了一切，推翻了全部，剩下的就是它认可的。虽然它未免有形式大于内容之嫌，但它多少掀起了艺术改革的洪流，它的反艺术的态度在某种程度上与艺术的独特性要求正相契合。（激浪派）
超现实主义也是人性自由的反映，因为它同样在谋求反抗一切束缚，只不过是借助超现实、超理智的梦境和幻想作为创作背景来实现。所以，它礼赞“想象”，崇尚“思想自由”；批判“逻辑”，抵制“实证”，视“理智”如大敌，认为“梦”也能用于解决人生基本问题。那些幻想中的、潜意识中的东西同样能够塑造人，塑造人的艺术个性。如果它们仍受理性约束，心之自由将无法实现，人也无法感受到“纯粹的愉悦”；“梦”是介于人“活着”和“死去”的中间状态，只有在梦中，人才能真正放飞想象的翅膀，这些才是超现实主义反抗传统束缚的真正原因。（超现实主义）
激浪派打倒一切艺术元素后，会将一切“日常”都视为创作素材，它当然要求对这些素材一视同仁，但当这种“意识”当中的素材无法满足激浪派的艺术追求时，呼唤潜意识中的原始冲动（水下巨人）便成为必然。
生活就是艺术，生活中的一切皆可成为艺术的素材，虽然有时一种巧妙的组合、改造，会展现出不一样的艺术形态，但到底会调动观者什么样的情感还得由观者自己去感受。比如那满屋子的动物标本，恐怕动人心者也就那只还能吆喝一两声的乌鸦吧！（环境艺术？）
没有观念、理念支撑的艺术品无异于赝品；能给带来震撼和冲击的东西一定蕴含作品中的观念和创意。后现代的世界，速度和效率是关键词。人们痴迷高速已到无以复加的地步：今日就是昨天，记忆已经湮灭。网络时代的到来，那些曾让人类保持原真性（原创力和真实性）的基本官能和情感已被剥夺殆尽，传统的艺术对此也已无能为力。不过，概念艺术，虽被人指责为寡情少欲，但在“好的”创意支持下，不仅可以展示创作者的观念，还可以在不经意间撩起观者的经验和情绪，促使他们去思考。艺术的目的有时并不于艺术之本身！（概念艺术）
不要以为艺术的存在只是为了艺术的目的，艺术家可以远离历史斗争。艺术从来都是意识形态斗争的工具！
的确，艺术的发展需要无拘无束，不仅在观念的世界里，也在现实的环境中。艺术教育应当强调艺术的原真性，而非原创性。原真性能带来共鸣，激发想象，造成心灵的巨大冲击，但原创可能是独特唯一却无灵魂，因而强调原创性并无多大意义。以电影创作为例，我们应当有的态度是什么：反智，反规则，反个人品味，还是干脆，反一切电影课上提到的“我们应当……”？真谛带来启迪！电影的“真谛”离不开虚构、想象和风格化。“我一无所有，我在和一切战斗，我不知所终，我向一切宣战！”不知这能否概括历史上艺术反抗者的风骨，但它确是是我们应秉守的宣言。（文/石板栽花 2017年10月14日星期六）
p.s.感谢 凯特·布兰切特吧翻译的中文字幕！
全程感觉是导演请大魔王把他对艺术的看法和吐槽对着观众狂喷了九十分钟，关键是也没说出啥道道来啊，开始还行吧，听到最后变成左耳朵进右耳朵出。最佳诠释“有喜欢的演员照样看不下去”的电影是啥样。不是形式的问题，是说的东西撑不起来啊，在博物馆看反而应该会更糟心因为门票更贵
这就是个贫瘠的时代无需再问，出现这样的电影本身就是个证明。凯特布兰切特真是可以拉黑了…
股票市场马克思宣言，葬礼现场达达主义，废物处理建筑美学，人偶复制超现实对视，新闻直播概念艺术，餐桌礼仪流行文化独角戏，小学课堂dogma95……将艺术史哲学史上的数十种宣言搭配情景独角戏展现，开心愉快
豆瓣居然还有这个！走到里面的厅十二个屏幕一起说“宣言”的时候还挺震撼的。其次就是一进去全部是Cate的声音，又都是独白，像是carol一直在念信😂大多声音重合了实际上多的好多话都没怎么听清，不过这主题一直在讨论艺术是什么，我只想知道没有cate一人分饰12角的噱头，还有人看吗？
艺术最忌讳说教，反艺术更加不应该说教，从头到尾的口号宣言，实在让人无法忍受。相比之下，后半程会好于前半程。更何况在我看来，电影这样一门光影艺术，独白是画面苍白的无力拯救，不可能因为一个人分饰十几个角色就有好转。别的不说，在电影院的观感，实在有点糟心。
如果作为实验话剧或者最早的装置艺术来进行观赏会很不一样。就电影来说我可能更希望看到一个有叙事有引导的过程，而非赤裸裸地反叛以及dada, dada, dada……
1.片段表演对于凯特完全没有难度，11天的拍摄期完成到这种影像程度确实依赖成熟高效制作团队；2. 形式上更适合装置而非电影；3. 宣言者成为宣言唯一可信/可欺媒介。3.5
意外地还挺喜欢，大概可以看作上世纪各种艺术宣言的拼贴画，内容涵盖了从达达主义到波普艺术等多个流派，致敬了包括雷内·克莱尔以及吉姆·贾木许在内的多位电影导演。饭桌上那段貌似是凯特老公和三个孩子友情出演，真·献身艺术。以及，隔着屏幕都能想象到大魔王每次化完妆后对着镜子狂笑不止的样子…
13 reasons why...Cate Blanchett ROCKS!!! 满天满地各种聊，关于新闻生态、艺术史还有政治文化隐喻...有字幕了还要再看一遍！餐桌前的祷告，葬礼的悼唁，课堂上的演讲，Cate女王沉稳的声音让每段“好像很无聊”的台词都变得如此有力量。少颗星是因为无缘看到展览，所以必须承认改成电影形式上的不足。
人生第一次去深圳看电影——刚开业的深圳百老汇电影中心。各行各业中的每一位都有离经叛道的艺术宣言，仿佛在看一场个人现场演出的大型装置艺术秀。台词、构图、布景均深得我心，德国这些光怪陆离的后现代主义建筑实在太适合作为此片的背景陪衬。Cate Blanchett每一句吐字清晰、字正腔圆的台词念读舒心无比，十分适合当英语听力及朗读材料使用。大魔王一人分饰十三人，不同角色和不同形象切换，连口音都不尽相同。最爱酒吧一段酷帅朋克摇滚范的大魔王。
这部电影告诉我， 有些电影书读的不多是没法看的。由此产生的逼格焦虑需要看十遍葫芦娃才能平复
还真有这条目……本来对这种形式大于内容的片（？）没报什么希望，然而真正震惊到我的是布兰切特一人分饰12角的自如与传神。化妆也细致，甚至每个角色的牙齿都不太一样。十二个不同的角色在不同的屏幕上，又突然在同一时刻看住镜头唱（？）出了充满仪式感的“宣言”。出艺术中心时我已怀孕。
不是每个人都适合的片，不是读艺术史、哲学史、思想史这些的别费劲了，不信中国大学有好好让学生讨论过现代西方（不只是艺术）思潮。台词翻成中文你都不知道哪段是共产党宣言，哪段是戈达尔说的，里面致敬的恐怖片都不一定看出来是哪部。
我的艺术积累真的无法很好地评价这个collection，相对于电影节，这组短片确实更适合艺术展，各个艺术学派地宣言。在展览看，一个黑暗空间里同时放3个短片，同一个点Cate的角色同时读一段长宣言，surreal。Cate可能是少数几个能这么演的人。NSW Art Gallery展出到一月吧
了不起 信息量巨大内容繁杂 戈达尔 贾木许 库布里克和dogma95 莎士比亚和歌德 虚无的达达主义 past and future is life, but present is art @Museum für Gegenwart Berlin
前年在ACMI看到这个展览感觉很羞耻就没进去，结果证明是明智的。女王用13个角色加全程尬聊向观众展示现代艺术的无病呻吟，简直是在逗我笑。导演赶紧回您的行为艺术小天地玩耍吧，别来祸害电影~~~~~~~~
一人演了12个角色，演什么是什么
现代艺术史名词解释合集。重新分条看了一遍，每个词条先维基下再观看，有了点背景了解就不觉得晦涩了。其实就是Julian Rosefeldt对20世纪先锋艺术各流派的注解（德国本身就是先锋派大本营），选个子高挑演技百变的电影演员来表现也选得好（赢了《天使在美国》里的梅姨）。
又一次被演技折服，然而，是更适合在博物馆里放的镜像。
观念先行，有病呻吟。