想了半天,虽然觉得好看,但依然需要取一个类似“翻拍失败”的标题。
演技肯定是好的,无论是群星贡献的庆典感受,还是细腻到位的戏剧冲突感。布景和拍摄手法将舞台感拉到生活之中,又保留了舞台相对局限但集中的视角。但除此之外,在电影整体表现力和主旨表达上无法“适配”。就好像新人演员的时代感并没有因为台词弱化距离。
背景说明是缺失,这当然不是说置景和台词不够引入,而是在同性议题变化极大的当下,如何通过调动旧式场景来体现同样的困境或感受,需要更多恰当的修改。原本的照搬,在事实逻辑上是给了观众极大压力的,这无异于给不同族群的人观赏本族群的伤疤,如果通感?这自然是导演的锅,节奏感被非必要保留舞台剧原型而打乱,会显得沉闷不走心。
在群星璀璨的剧作冲突刺激下,除去孔雀不老的花瓶样,你还能记住什么?冲突自然是多数人观感极佳的得分点,但除此之外呢?极好的议题,在当下的翻拍,就没有一点时代意义吗?仅贡献极好的音乐、服饰、对白?所以权当是给舞台剧粉丝或明星粉丝的福利而已,那真心“网大质量”。
或者说,我无法知道这个影片如此制作的受众究竟是谁。舞台剧附带社会责任,电影翻拍按照受众面来说需要附加更多的责任,给这个还不能完美接受LGBT的世界一些更好的东西,而不是出不了圈的沉闷和难以代入的“八卦”。有一点,回味起来是微妙的,就是电影的沉闷竟然和无法“出柜”的旧时代一般。
最后的最后,抱歉,5.5分。
(文中图片均来自豆瓣)
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从剧场版到Netflix,除了消费美男之外,我所想到的。
初夏的纽约热浪袭人,等候在Booth Theatre门口排队检票的人衣着颜色清新素雅,简约又时尚。 平整的衬衫,雪白的西裤,淡粉的方巾,轻薄的麻衫,他们站在剧场仿文艺复兴的大石块外墙前,像极了意大利的某个度假胜地。
百老汇大街华灯初上,霓虹舞动。露天酒吧的音乐,沿街叫卖狮子王门票的小贩混杂着时代广场的热曲,头晕目眩到心慌。而排队等候The Boys in the Band的观众清爽雅致的装束,三三两两柔声细语的交谈场景,却像递给双眼的一杯冰镇薄荷酒,视觉上安抚了大都会声光电给我这个来自德国的乡巴佬,带来的躁动不安。再一次服气gay couple们时刻将自己变成环境中的一件艺术品的好品味。 很多入场的同性伴侣都是泰然自若地挽着手,有说有笑,缓步入席。
The Boys in the Band于1968年在百老汇一家小型剧院首演。据称当时的同性恋演员冒着自毁前程的风险,坚持出演这部充满争议的同性恋题材舞台剧。2018年恰逢首演50周年,为纪念这部革命性的剧作,百老汇号召众同性恋明星出演新版《乐队男孩》。编剧Mart Crowley其实讲了一个自己朋友圈的故事,一群drama queen在自己封闭的小空间里庆祝生日。席间,互相放纵地鄙视同伴,嬉笑怒骂中遮掩无法诉说的爱和不能做自己苦闷与悲凉。
同性恋伙伴多敏感,但却也刻薄。破坏他人伪装的平静为的是给自己找到更多的同类项。 和爱人相伴看一场剧,看似稀松平常的约会,退回半个世纪,却不是人人都能享有的权利和尊重。 一部商业剧,能够试探并触碰的历史深度毕竟有限。为了让更多的人接受,同性故事可以装进失恋和出轨的套子里,将同性恋人群的烦恼简化成异性恋的困境,使这个人群不再显得另类。更深层次的灾难和危机却不是剧里面一场闹翻的生日趴那么简单。剧本创作的60年代,剧中的人都被自己的身份所困扰,跨出同性恋圈子,无形的壁垒横亘在那里,谁都寸步难行,就像片中邻居鄙夷的一瞥,屋子里的气氛瞬间凝固。
瘟疫是2020年当之无愧的年度词汇了。很多以往的瘟疫都被拿出来和当下的情形作对比。然而开始自80年代那场让纽约这个“欢乐世界如同经历过战争杀戮,变成尸横遍野的一片废墟”的可怖纽约”大瘟疫“,却鲜有人提起。编剧Mark Crowley在后期采访时,从摆满相框的桌子上拿起好友也是剧中人物Herold原型的照片,照片里的人瘦弱苍白。Mark的解释和我想的一样,他的好友当时已患有艾滋病,最后死于那场艾滋病大瘟疫。找寻自己身份之旅被一场陌生的瘟疫终止。如果这次netflix翻拍能够有所增添和改动剧本的结局,这场大瘟疫是可以被写进来的。
商业片毕竟还是麻醉剂,不论是台下还是屏幕前,我都醉心于心爱的演员美妙的躯体及其带来的感官愉悦。就像古希腊的雕塑,太过完美的形象会让人无暇顾及美以外的现实,毕竟欲望是人类的共同语言。但是艾滋瘟疫的阴影总在我的脑中萦绕,白先勇《纽约客》里AIDS病患互助组织“提香之家”和描写可怜的Danny Boy弥留之际身体的腐败溃烂之状总是和Matt Bomer性感的躯体同时出现在意识中的某个隐蔽角落。或许是恐惧潜在的对美好的威胁吧。
同是纽约之行,在惠特尼美术馆被AA Bronson的巨幅作品震撼。Bronson拍摄了挚友Felix Partz因AIDS死后不久的一幕。Partz睁着眼睛躺在床上,穿着最喜爱的衬衫,头下枕着橘黄和天蓝色的小枕头上,碎花小被子上摆着遥控器和播放机,床头柜上放着香烟。就像一个弥留之际的病号,但是却十分舒适,被自己喜爱的消遣之物包围。Bronson把自己的朋友照顾得很好,以临终关怀的方式直面友人的离去,也让人们看到一个被艾滋病啮噬的干瘪身体。
今秋,慕尼黑地铁站的过道里,众多张贴广告中藏了一幅Félix González-Torres摄影作品,相机拍摄了一席白色半透明幕帘,帘后一把椅子若隐若现,远景的窗台仿佛坐着一个人,但是模糊得很,看不清,触不到。Félix的同性爱人因艾滋病去世,孤单一把椅子,主人已去。窗帘后那模糊的人影是Félix对爱人的无尽想念。对同性的爱不是什么羞于表达的事,永失我爱的孤独不分性别。Félix更出名的系列是一组广告牌,上面是一张被人睡过的床,床上留下两个枕头和床单被子上留下的褶皱。爱人已逝,温存不在。我喜欢Felix的温和含蓄,他不回避也不把自己看做特殊的群体。作品传递的是失去的悲伤和对思念对象的找寻,就像一个普通的伤心人。
不将自己特殊化,才能更坦然从容的面对他人。
从房间内的party到公共区域,城市空间,同性话语范围在不断拓展。
勇敢的人做自己。致敬以不同方式记录现实的艺术家。
7.2分,个人还是挺喜欢这种舞台剧风格的电影,前半部分很欢乐,后半部分很尬尴,看完有爽感,演员表演都还不错,也就还好。
留给自己的关键词:自我剖析,友情,个人影像中的群体折射,结局……什么都没有改变 。不过,如果是我,第二天可能会绝交吧……
看完《亲爱的房客》,《刻在你心底的名字》,这些很台湾文艺的电影,再看《乐队男孩》这种又很美式的电影,文化和风格的差异,真的让人觉得很有趣,这就是电影的魅力和意义啊,让我们看到不同的色彩。
其实我还蛮喜欢这种舞台风格化的场景,可以让我把注意力更集中在人物和故事上,有一种窥探的真实感。
《乐队男孩》讲的是在一场生日PARTY上,一个直男的意外闯入,打破了属于6个同志好友看似欢乐的聚会,让这场PARTY走向了疯狂。前三分之一真的很欢乐,毫无负担的轻松感,一个个梗都快笑死我了,后面气氛开始越来越紧张,迈克就像吃了火药一样,唯一的目的就是摧毁,但是看完觉得挺爽的。
你会看到,原来每一个小心呵护的,光鲜亮丽的外表,都是自尊脆弱的保护层;脱下外套,每个人都有着自己无法复原的伤疤。
拿着失业金的迈克,用奢侈品维系着自尊;对自己是同性恋深恶痛绝,却总是装作乐在其中;爱慕着唐纳德,却要表现的不在意不经意;想要做一个让大家都喜欢的朋友,却暴露了自己其实是一个把自尊建立在,对别人失败嘲讽之上的,可悲又可怜的人。伤害了别人,伤害了自己,却只敢用酒精来做借口,用弥撒来自我欺骗。迈克因焦虑紧张表现的咄咄逼人,让电影的后半部都处在一种极度的不适和尴尬之中,我好几次真的很想揍他!
深爱对方,却因为生活和爱情观念不同,而经常猜疑争吵的情侣,差点从崩溃的边缘坠落,但幸好月老的长绳在他们身上打了死结。他们让我有点想起《借来的时间》里的那对LOVERS,我以为这种需要不断忍耐,退让,自我折磨的爱情,终究不会长久,但其实是我低估了爱的力量。
我最喜欢的埃默里,真的是一个小可爱,刚刚被人揍完,回过头就帮人家说话撑腰,而他的故事是他最刻骨铭心的爱,一场永远不会得到回应的单恋,所以直男真的是火坑。好想有埃默里这样的闺蜜呀~ 虽然迈克嘲笑埃默里长得丑,但是不喜欢他的人一定都是眼瞎!
伯纳德,总是有点小心翼翼,不自信的黑人同性恋,懵懂青春里的一场性事,对一个人来说可能是一辈子的美好和希望,对另一个人来说或许只是一场玩笑,这就是现实啊。总有一天,我们要走出来的。
哈罗德,PARTY上迟到的寿星,虽然有无法疗愈的伤,虽然总是需要用化妆来掩盖自己,需要用“HIGH”来麻痹自己,但是他是活得最明白的一个人,或许正因为这样,在迈克对他那么毫不留情的攻击之后,在迈克如怪兽过境般毁了他的生日PARTY后,他还能对迈克说出:明天打电话给你。这句话。
唐纳德,我们最爱的孔雀,这个人物塑造应该是最失败的,没有几句台词,总是一个人安安静静的在一边,可能他就是GAY们心中都幻想存在的那个人吧,所以他不需要说太多,做太多,就让大家自己想吧,你看连他的职业都有点。。。咳咳。
其实我还蛮喜欢那个午夜牛郎的,单蠢单蠢的,特别是最后他和哈罗德回家时说的那句话,让人有点戳心。
最后,就是迈克的同学Alan,他究竟发生了什么是这部电影的未解之谜之一,但肯定不是因为深柜。(另外一个未解之谜是迈克送给哈罗德的相框里写了什么?)正是因为他的到来,给这场PARTY带来了灾难,但那也不能算是他的错,他就是一个小小的导火引线而已。
我没有看过原版,更没有看过舞台剧,所以没有比较就没有伤害嘛!整体来说,我还是挺喜欢的。
从1969年石墙运动到今日,自我身份认同仍是LGBT群体内的核心话题,改编自同名舞台剧的《乐队男孩》试图通过一场满是斗嘴、毒舌吐槽的drama大戏,演绎出当今同志生活里的爱恋、苦痛与自厌。
本片由八位好莱坞已出柜男明星出演,以1968年的美国纽约为背景,描述了一场生日宴会上的游戏。
得益于舞台剧的蓝本,整部电影充满了大段妙趣横生的吐槽,点睛之笔的舞台剧式音乐与极具戏剧冲击力的剧情。
影片围绕着八个聚会中的同志与一个未知性向的闯入者展开,八人有八种独特的性格与经历,自我怀疑的男主、懵懂无知的午夜牛郎、为自由而争吵的小夫妻、敢做自己的“花花蝴蝶”......
这种性格迥异的群像式演绎,既展示了同志生活的多样多面性,又构成了整部电影的冲突与对立。
八人在天台上狂欢那一幕,不难让人幻视到《小时代》“时代姐妹花”。剧情上,本来青春洋溢、载歌载舞的“姐妹”聚会,因外人的到来瞬时凝重了起来,众人也突然玩起了打电话给深爱之人的游戏,气氛一时间诡异了起来。
朋友间开始互相斗嘴争吵,生怕男主会突然拿起手里的酒杯,一头淋在朋友身上,尖哮道“发烂发臭!”
但《乐队男孩》与《小时代》终归只是在drama的气质上略有相似,与mv式电影不同,《乐队男孩》有它饱满的内核,没有丑化、差异化同志群体,而是一步步还原了同志生活的原生态。
从置办生日宴会到宴会上欢欣起舞,再到同伴间一起给最爱的人打电话,整个过程仿佛在告诉观众们,同志的感情与他人无异,都会陷入欣喜、爱恋、苦痛中。
本片立足于1968年的美国纽约,"石墙"运动还未发起(第一次同志拒绝警察的逮捕,是世界现代同性恋权利运动的起点),当时社会上满是对同志的歧视与嘲讽。在这样的时代背景下,难免有人对做自己产生动摇,而深深厌恶自己。
本片的男主是大环境下的典型代表,被社会边缘化,得不到主流认可,只能通过对他人的刻薄,去宣泄心中的自怨自艾。昔日“直男”舍友的突然拜访,打破了他内心的平衡与秩序。
在害怕得不到认同与自我怀疑的状态下,他将情绪的突破口放到身边的朋友上:尖锐的吐槽朋友的生活,像个裁判一样胁迫朋友参加电话游戏,歇斯底里地强迫“直男”朋友出柜......
宴会过后,朋友不欢而散离去,他只能黯然神伤地说出一句:“如果我们学会不憎恨自己,那就好了。”
男主是时代投射下的一个小小缩影,他代表了一代想要隐藏,想要自我矫正的同志群体。
所有对别人的刻薄都是对自我的厌恶,这句话也体现在深柜的“直男”朋友身上,他嘲讽做自己的人为“娘娘腔”,这种厌恶恰恰也是出于对自己的厌恶。跳脱出同志的话题,现实中太多人在别人的质疑与冷嘲热讽下不能够坚定做自己。
影片的母题不只是关乎于同志的自我身份认同,也暗藏着人们在理想与现实,社会与个人中的斗争。
郭强生在《断代》里写道:“这个世界上绝大多数人都在过着安全幸福的正常生活,他们从没有机会也没有意愿去了解,不属于他们世界的人会有什么样不同的感情需要。病态、堕落、下贱、无耻。他们只能以他们有限的生活经验订出标准,摆出自认高尚的姿态。”
《乐队男孩》或许做出了一点回应,它摊开八个迥然的灵魂,宣告着重要的不是摆着矫正姿态去正视问题,而是习之以为常态,不把它当做问题。
戏剧性很强但却总到不了高潮的感觉,还蛮喜欢Michael对待崆峒舍友的处理方式,没有得过且过就这样算了,让他离开自己的舒适区,不用承担一点责任,而是让他直面他的恐惧和厌恶,逼迫他承认自己崆峒的真相是因为自己就是深柜,虽然最后没有成功吧,但起码他的态度确实也发生了转变,喜欢他直来直去的毒舌性格,虽然招人烦,但也最真诚,有时候人们就是不喜欢听实话。其他人基本没多大感觉,尤其是最爱的孔雀戏份太少,没得看头,感觉这个剧本拍成电影有点无聊,剧情太匮乏了,每个演员大部分时间都是闲着当背景板,有点浪费,还算及格吧,不过感觉这个卡司可以拍出更好的效果,下一次聚齐这些人可就难了。
#乐队男孩#(The Boys in the Band)(B+)正如大部分同志电影,本片保证有抢眼的服饰,明显的挑逗,好笑又嘴损的吐槽, 还有美好的肌肉(Yes, you can count on the gays for shameless shirtless scenes always [害羞])。最重要的是,大部分gay,都对女性很友好,看这种片中女观众基本上只有享受没有惊吓。
下面视频里Netflix这个特辑里回顾了《乐队男孩》(The Boys in the Band)从60年代的舞台剧,到现在的新版电影,周围的社会发生了很大变化。没变的是,正如他们说的,你把多个美丽的男子放在一起,怎么都好看啊。
其实这部电影已经在70年代拍过一次,而且我觉得随着同-志-运-动的不断推进,未来还有翻拍的可能,因为在每个不同的时代,人们看待他们的观点会不同。70年代的那部老版很多人都没听过,甚至那时候演出这样的电影恐怕是自毁前程,而如今好莱坞动员大批公开出柜的gay演员参与的这部也算是声势浩大、光彩夺目了。
但即使如此,本片也许依然没办法被推到所有人的视线中,很多人还是无法接受。不过这部依然让人们看到了同-志运动的发展和社会的变化,可以有如此多不同、有趣又复杂的 LGBTQ角色在电影中被呈现,不再只是小配角,而是在一部属于他们的电影里。
电影还是像老版一样围绕一个生日聚会展开,有很多角色各自对之前经历的回忆,整体来说还是以小格局场景、对话为主的,更像是一个舞台剧的感觉。几个角色鲜活地展示了形形色色不同类型的gay。 Jim Parsons的角色是台词最尖锐好笑的一个,句句珠玑;Matt Bomer主要负责美丽动人,,展示肉体;Zachary Quinto则是片中最有趣的一个人,攻气十足,用眼神就可以杀人。
有趣的是,本片看到他们在同类与非同类面前表现截然不同,就像一个开关,在直弯之间切换。因为他们太习惯于“伪装”,几乎每个gay 都是出色的“演员”。又因为他们比女性更勇敢,个性张扬,常常道出惊人之语,也因此gay 角色往往充满戏剧性和幽默感。
片中讲述了几个男同角色面对来自社会、家人、事业的压力,以及各种“地下恋爱”的艰辛,更重要的是,他们如何从憎恨自己,慢慢接受自己。我觉得同-志类型作品最大的特色就是,总因为“不能被人知道”增加了一种神秘感,他们总需要用各种暗示性的内容去沟通,找到自己的小团体和得到认可。
片中演员都是好莱坞出柜了的同-志演员们,也许也经历过与角色类似的痛苦。但看他们在一起可以公开自己的身份,并骄傲地活出自己的人生,真的很开心。
但同时又还有很多这样的人没办法公开自己的同-志身份,只能压抑着扮演着别人眼中的他们。我相信在全世界各地都隐藏着很多同-性-恋者,无论男女,始终没有公开过,希望他们可以尽快有机会做自己。
如果说本片最大的意义就是让人看到同-性-恋人群多少年来一直遭遇的挣扎,虽然相对片中年代,世俗的看法有所转变,但达到让他们可以自由自在地恋爱,生活、勇敢面对自己,依然有很长的路要走。
人们想法的转变往往是无法同步的,就算好莱坞走在 LGBTQ银幕代表性的前沿,很多人,无论在美国还是其他地方都依然对此类影视作品很排斥,但看到的越多,观点会慢慢改变。从我们最近看到的新闻来说,未来 LGBTQ电影和剧集的数目将大大增加。
一年前ex和新婚的老公看的现场,看完兴奋发来散场后和孔雀的合影;一年后我只能对着电脑看网飞版。电话告白的戏实在是TIMELESS,若在剧场里怕是看得心惊胆战头晕。幸而当时,他有个他的手能握着吧。
孔雀推开门的那一刻,应该放一首《时间煮雨》。。
孔雀真是永远不变的年轻貌美
全员演技炸裂,丧到地狱谷底,却又因纽约的夜而有了一丝诗意。不甘心呀不甘心,要是我们都没那么讨厌自己就好了。
基圈盛宴。孔雀还是很好看!真的太好看了!还露了白嫩的屁股!小白领都过去十年了,他感觉完全没有变老。我和基佬friend都表示非常羡慕CEO。
我还是在找能把基本整个关在一个房间内对话(可以用niche讲吗?)拍好的导演((((
大段对话,话痨,都不是问题,用这样平淡无奇的手法直接演一场舞台剧一点不高明。退一步说,及时作为舞台剧,冲突点和最后人物的醒悟也是太牵强
开心麻花看到瑞恩·墨菲笑而不语,终于都是国际化的网大水准了。被全世界翻拍的意大利电影《完美陌生人》就是借鉴了原版《乐队男孩》的梗吧,与时俱进把打电话搞成了看手机。这部新版把时间依旧定位在1968年,塑料感十足,既然去掉社会背景,为什么不把故事搬到当下,也与时俱进一下。人物关系的处理失衡,加上明星效应,让一个个熟脸大部分时间都很无聊当摆设,这么翻牌太鸡肋了,根本就没有翻牌的必要。
把50年前的台词再背一遍,听着却更彷徨。合法了认同了又怎样。出柜的演员仍旧演不了直人,难看的穷的依然没性生活没对象,我还是恨自己。
或者影片想表达的观点在纽约已经过时,但在现代中国却依然受用。做什么样的人或者饰演怎样的角色都可以,不过确保自己接受自己。
较1970年的电影没啥区别,作为翻拍片少了社会背景的刻画,深刻度也就大打折扣。时间变了,我们还是没变,同性恋还是一样的宿命,蹭各地的party,和姐妹撕逼,为爱情流泪,为容颜伤心,临时抱佛脚向神明忏悔,然后朝着红灯区一路狂奔。我们,无处皈依的我们。
我火速赶来。形式蛮喜欢的,特别是显然为电影版而加的闪回每个都是构图声音又精致又动情,有点惊艳。就是感觉有点太头轻脚重,以及精致感下我确实需要不时提醒自己这个故事的年份(typical贪漂亮不懂质感的ryan murphy,但不得不说除了他这里出柜演员真的好难找一线工作啊妈的)
从西区到百老汇复排卖的都是卡司吧毕竟剧本如学生作业般工稳(再看看谁害怕伍尔夫和奥色治郡之类的室内撕逼剧),我一度以为最后小谢要向直男室友表白呢,但并没什么,也对,反正左右一句话:不能自处的人是最可悲的
我以为Alan最后会向Michael表白,但电影的结尾更有趣。60年代真是一个神奇的年代,原作的舞台剧就诞生于那个时代。
感叹这帮人要是老老实实做舞台版该能有多好看…能聚起来这些人其实也是不容易,每个人演技都在线,这样的大文戏也能做到张弛有度,真的很难得。想表达的主旨还是能看的明白的,这是一个社会认同与自我认同的难题。但是新版电影呈现的效果如何,其实大家可能各有看法吧。最难过的是能代入Michael,他的挣扎,反抗和爆发,看了只想叹气。心情就很复杂,我们的现在又和那时的纽约有什么不同呢。唉…唉!
没有对比就没有伤害,只有看过五十年前的老版才会知道新版缺少了什么。这是一份专属于深柜年代的刀光剑影,电影需要考虑的不是做新而是做旧。由全出柜演员来演反而缺少了那种刻骨铭心的自憎,大家就像吃饱了没事干就开撕一样。最心疼的是孔雀,美美的屁股白露了...
姐妹們的撕逼大戲,刀子嘴豆腐心,又賤又暖。涉及的話題蠻多的,出櫃深櫃、種族、開放性關係、年少時的情愫、自憐自愛……70年代的故事,如今依舊不過時。出於個人愛好,特別關注了一下主角家中的裝飾畫,有Henry Scott Tuke海邊的少年,Thomas Eakinsd的游泳池,穆夏的Art Nouveau風格海報,Toulouse-Lautrec的劇院版畫,審美還真不錯。結尾部分,孔雀讀的那本書是多麗絲·萊辛的《金色筆記》,暗示出主人公想和無序的社會建立關係的渴望。Larry和Hank戲裡戲外都是情侶,難怪兩人之間的表現如此有化學反應。
无法跳出舞台剧的框架,拍得毫无电影感,算是比较失败的一次翻拍。最终就成了几个“中年危机”的gay念台词互相伤害,没有电影内在的整合感与肌理,导致观众能看到演员的卖力表演,但难以产生共鸣。另外实在想感叹,哪里去找Michael那样完美的公寓。。。。
将所有stereo type集合到舞台上,呈现一出说教却也令人出神惆怅的身份纠葛苦难史。5/10
舞台感浓重却无不适,人多戏满场景虽小,塑料儿姐妹情身份认同社会歧视种族私生活爱情观宗教一应俱全。孔雀77年43岁了朋友们,与昆图同年。